tag:blogger.com,1999:blog-41124334525556069962024-03-05T21:32:47.742-08:00UN INSTANTE DE CAOS<center>BITÁCORA DE JAVIER SERRANO SÁNCHEZ (DESDE 2010)</center>Unknownnoreply@blogger.comBlogger909125tag:blogger.com,1999:blog-4112433452555606996.post-31565907651515858362024-03-03T05:36:00.000-08:002024-03-03T05:36:46.182-08:00«ESCULPIENDO EL TIEMPO» (II) - ANDRÉI TARKOVSKY<div style="text-align: justify;">«No es bueno que el director se dedique a reflexionar sobre el estilo «poético», «intelectual» o «documental»; que reflexione sólo sobre cómo mantener hasta el final sus ideales, con total consecuencia. En el arte no puede haber autenticidad y objetividad documentales. La objetividad es siempre la de un autor, es decir, es subjetiva. Esto es así incluso en el caso de que el autor se dedique a montar material documental».<br /><br />«Cuando se habla de «géneros» cinematográficos, normalmente se está hablando de productos comerciales, de comedias, películas del Oeste, dramas psicológicos, películas policíacas, musicales, de terror, melodramas, etc. Pero todo esto, ¿qué tiene que ver con el arte? Éstos son «artículos de masas», objetos de consumo, si se quiere. Al arte cinematográfico estas formas omnipresentes se le han adherido, desgraciadamente, por medio de intereses comerciales. Pero el cine, en su sentido verdadero, no conoce más que una forma de pensar: el pensamiento poético, que une lo que no se puede unir, lo paradójico, y que convierte el arte cinematográfico en una forma adecuada de expresar las ideas y los sentimientos de su autor.<br />La verdadera imagen cinematográfica se basa en superar los límites de los géneros. El artista se esfuerza por expresar sus ideales, que no se pueden encerrar en los parámetros de un género.<br />Por ejemplo, ¿en qué género trabaja <b>Robert Bresson</b>? En ninguno, por supuesto. Bresson es Bresson. Él es su propio género. <b>Antonioni, Fellini, Bergman, Kurosawa, Buñuel,</b> en el fondo son idénticos solo a sí mismos. ¿Y <b>Chaplin</b>? ¿Es que está interpretando meramente una comedia? No, es Chaplin y nada más: un fenómeno único, irrepetible. Ya el mismo término de «género» desprende un frío glacial. Porque los artistas son como microcosmos, cada uno el suyo. ¿Cómo meterlos en los límites convencionales de cualquier género? El que Bergman también intentara rodar una comedia de estilo comercial no tiene nada que ver con esto. Y además, lo hizo con escaso éxito. La fama la adquirió en todo el mundo por películas de otro tipo.<br />O fijémonos en Chaplin. Aquí tenemos la hipérbole más pura, pero lo más esencial es que Chaplin cautiva en todo momento por el comportamiento verídico de los héroes que interpreta. Aun en las situaciones más precarias es natural; por eso incita a la risa. Sus héroes, precisamente por el absurdo del mundo hiperbolizado que les rodea, tienen una lógica incuestionable. A veces parece que Chaplin estuviera muerto desde hace ya 300 años. Hasta tal punto es un clásico de grandeza absoluta».<br /><br />«El artista sueña con un máximo de entendimiento, a pesar de que siempre conseguirá transmitir al espectador tan sólo una fracción de su mensaje. Pero conviene que no se preocupe demasiado: lo único que debe tener en cuenta con total perseverancia es expresar su idea todo lo sinceramente que pueda».</div><div style="text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitmviDZYMHBV9nILtL9nGTzsLZ7JIWHeVd8KsNCWH4HHxYabznfcPIlj4NZ_m2eD-O3MNtYOe0TKCfDJTgK_7GsNKLFW9YgdsY_zawSdPimGMqj0_CDHNLXb8JL_G7wcErmN5ehOeh7Bi5chMufMTCUbH-HOEGmYOYPSglACJ2N2__SJuBdtBfv5JQRNTZ/s674/andrei-tarkovski-caracteristicas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="674" height="238" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitmviDZYMHBV9nILtL9nGTzsLZ7JIWHeVd8KsNCWH4HHxYabznfcPIlj4NZ_m2eD-O3MNtYOe0TKCfDJTgK_7GsNKLFW9YgdsY_zawSdPimGMqj0_CDHNLXb8JL_G7wcErmN5ehOeh7Bi5chMufMTCUbH-HOEGmYOYPSglACJ2N2__SJuBdtBfv5JQRNTZ/w400-h238/andrei-tarkovski-caracteristicas.jpg" width="400" /></a></div></div><br />Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4112433452555606996.post-3795002440382009432024-01-21T03:55:00.000-08:002024-03-03T05:37:28.638-08:00«ESCULPIENDO EL TIEMPO» (I) - ANDRÉI TARKOVSKY<div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0i9gpofFgmypCJRp675KOxQ2C8x5pEJnLt1uQFKQvQn6VIs84b8iR0-W0y9i1QGdYEQT3il0UXtyVxhIRARwSUmPNGrSRoRn4v_-59FiLwehQB9kaIqF9kRwhk3t4OHZHIiZZXkG8G8TjjIbUq0dyw8VRSqAogMRMuNYGLGwFSAGgneq7T9vmJcsBeS_p/s1200/Tarkovsky1.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="698" data-original-width="1200" height="233" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0i9gpofFgmypCJRp675KOxQ2C8x5pEJnLt1uQFKQvQn6VIs84b8iR0-W0y9i1QGdYEQT3il0UXtyVxhIRARwSUmPNGrSRoRn4v_-59FiLwehQB9kaIqF9kRwhk3t4OHZHIiZZXkG8G8TjjIbUq0dyw8VRSqAogMRMuNYGLGwFSAGgneq7T9vmJcsBeS_p/w400-h233/Tarkovsky1.jpg" width="400" /></a></div>«Un espectador compra una entrada para el cine con una meta: rellenar las lagunas de su propia experiencia; es como si fuera a la caza del «tiempo perdido». Esto quiere decir que intenta rellenar el vacío espiritual que se ha formado en la vida moderna, llena de inquietud y falta de relaciones humanas». </div><div style="text-align: justify;"><br />«En mi caso, el proceso de transformación cinematográfica de un guión escrito discurre de una manera totalmente diferente. Aunque nunca me he encontrado con el fenómeno de que la idea original, al pasar de las notas a la realización, cambiara en su sustancia. El impulso originario, que es causante de una película, permanece inmutable y exige ser cumplido durante los trabajos de filmación. En este proceso de planos, montaje y banda sonora se van cristalizando, eso sí, otras formas, más exactas, de aquella idea. En mi opinión, toda la estructura de la película está sin terminar hasta el último momento. La creación de cualquier obra de arte presupone una lucha con el material que el artista intenta dominar en una realización total y perfecta de su idea básica, dictada (inspirada) por un primer sentimiento inmediato.<br />Pero en ningún caso se debe perder en el proceso lo más importante, aquello por lo que se ha dado con la idea de esa película. Y esto sobre todo cuando la idea se transforma por medio de medios cinematográficos reales, es decir, con imágenes de la propia realidad. Pues la idea sólo se debería realizar cinematográficamente en contacto inmediato con la realidad del mundo material.<br />La tendencia más perniciosa para el cine del futuro, en mi opinión, es el intento de reproducir en el trabajo aquello que se ha escrito sobre el papel de una forma exacta y fidedigna, es decir, traspasar a la pantalla estructuras pensadas anteriormente y a menudo meramente especulativas. Un trabajo cinematográficamente creativo exige por naturaleza el interés por la observación inmediata del mundo vivo, cambiante, en continuo movimiento».</div><div style="text-align: justify;"><br />«El arte de la segunda mitad del siglo XX ha perdido su misterio. El artista, en nuestro tiempo, repentinamente ha querido el reconocimiento inmediato y pleno, el pago sin dilación por lo que hacía en el terreno intelectual. Qué sobrecogedora es en comparación con ello la historia de <b>Franz Kafka</b>, de quien en vida se imprimieron pocas obras y que encargó a su albacea que quemara todos sus manuscritos. En ese sentido, Kafka moralmente pertenecía al pasado. Por eso tuvo que sufrir tanto, porque no estuvo en condiciones de «estar a la altura» de su tiempo.<br />El llamado arte moderno, en cambio, es casi siempre una ficción y nada más, porque parte de la base errónea de que el método puede llegar a convertirse en el sentido y el objetivo del arte. A la demostración del método (y esto no es otra cosa que un exhibicionismo ilimitado) es a lo que se dedica la mayoría de los artistas contemporáneos».</div><div style="text-align: justify;"><br />«Sería absurdo afirmar que <i>La Divina Comedia</i>, de <b>Dante</b>, ya está superada. Pero unas películas que hasta hace pocos años fueron un gran acontecimiento, de repente y de manera inesperada parecen inadecuadas, desmañadas, pueriles. ¿Por qué? Creo que el motivo principal es que quien realiza una película normalmente no ve su trabajo como un acto de vital importancia para él mismo, como un empeño moral. Lo que envejece son las intenciones de querer estar a la altura de los tiempos, con gran expresividad y actitud de moda; no se puede intentar ser original sólo a través de la originalidad».</div><div style="text-align: justify;"><br />«Si un artesano hábil narra algo que en el fondo le resulta extraño, utilizando al máximo las técnicas cinematográficas contemporáneas y si además demuestra tener algo de gusto, indudablemente podrá confundir al espectador durante un rato. Pero el valor meramente efímero de una película de este tipo pronto saldrá a relucir. Más tarde o más temprano, el tiempo —implacablemente— desenmascara todo aquello que no es expresión de las convicciones más profundas de una personalidad única. El trabajo creador es más que una forma de configurar datos e informaciones que existen objetivamente, algo que sólo exigiera ciertas capacidades profesionales. Es más bien una forma de vida de la propia persona, la única forma de expresión posible para él. ¿Acaso los esfuerzos, una y otra vez sobrehumanos, para superar la incapacidad de hablar se pueden unir a los marchitos términos de "búsqueda" o de "experimento"?».<br /></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4112433452555606996.post-38247922454631849442024-01-07T06:24:00.000-08:002024-01-07T06:24:28.210-08:00«PARIS IS BURNING» (1990) - JENNIE LIVINGSTON<div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiqb2Qf_8N9G7APN-IVDV5-jjFi119gSMveufwkX9uogiXRa43tamgiP305pD1j4hVIBPMfNFuKxJBAxbrMTuLYWDArhaoVnvtkiwpqz-5JVOkgv6k0osNDUrS-Y-t63O1jlLJ4OaJOvOu7_iJYbmbFEpN-82Bz2zERp6uZmdMPjickdu9XO4diZCU-KBY/s1000/paris_is_burning-798265293-large.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="655" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiqb2Qf_8N9G7APN-IVDV5-jjFi119gSMveufwkX9uogiXRa43tamgiP305pD1j4hVIBPMfNFuKxJBAxbrMTuLYWDArhaoVnvtkiwpqz-5JVOkgv6k0osNDUrS-Y-t63O1jlLJ4OaJOvOu7_iJYbmbFEpN-82Bz2zERp6uZmdMPjickdu9XO4diZCU-KBY/s320/paris_is_burning-798265293-large.jpg" width="210" /></a></div><i>Paris is Burning</i> es un documental que nos muestra una parte de la escena <i>underground </i>del New York de 1987, más concretamente el <i>underground </i>negro, gay y transexual en la zona de Harlem. Como reconoce uno de los protagonistas al principio de la película: si eres un hombre negro y además eres gay, vas a tener una vida realmente jodida, así que más te vale ser fuerte. Homosexuales y transexuales, negros en su mayoría, se organizan en un mundo subterráneo, paralelo al hegemónico, blanco y heterosexual. Hacen desfiles de modelos, "balls", en locales como el Savoy Manor, donde compiten por alzarse con algún trofeo de las muchas categorías existentes: la más glamourosa, la más guapa, la más femenina... o también "la mejor con ropa de deporte de invierno" (y no vale presentarse con ropa de poliéster, o si lo haces, te caerán las críticas feroces de los asistentes). Algunas son capaces de gastarse un pastón para participar en esos <i>balls,</i> y la que no puede hacerlo, no duda en ratear, en robar algo para conseguir sus fines. Son seres apartados del mundo blanco, heterosexual y biempensante, al margen de una sociedad que no los admite y tiende a expulsarlos o, en el mejor de los casos, a ningunearlos. Es por ello que han de buscarse la vida como pueden, a menudo prostituyéndose, pues en la época mostrada no quedan muchas opciones para un homosexual o un transexual. Gracias a estas fiestas y a estos reductos de libertad, gays y transexuales de New York pueden encontrarse y juntarse con otros que son como ellos, construirse una identidad, crear conciencia de grupo, reafirmarse, defenderse, sentirse libres, hablar su particular jerga, enamorarse, follar... </div><div style="text-align: justify;">La cámara de Jennie Livingston se acerca a ellos para mostrarnos cómo es su vida. Livingston convivió con ellos durante siete años a finales de los 80, asistiendo a sus bailes, a los eventos sociales organizados por la comunidad negra gay... Es ahí donde nace <i>Paris is burning</i>. <br />Muchos de los protagonistas que aparecen en pantalla fueron expulsados de sus familias o empujados a marcharse lejos, para que esa familia no se avergonzara ante la comunidad. Encontraron refugio en las "houses", casas donde viven otras personas del colectivo en una situación parecida, lideradas por una "mother", una persona que los acoge y hace las veces de una madre. Son esas "houses", esas "familias", como los Xtravaganza, LaBeija (liderada por la multipremiada Pepper Labeija), Pendavis... las que luego compiten a muerte en las pasarelas imaginarias de los <i>balls</i>. Es ahí donde estas <i>drag queens</i> pueden acariciar el sueño imaginario de convertirse en una estrella, aunque sea una estrella pequeñita y local, una vía de escape de un mundo especialmente jodido para ellos. La competencia es dura y a veces hay piques muy fuertes entre ellas, llegando al insulto, unos insultos llenos de gracia y de inteligencia. Destacan personajes como Pepper Labeija, Kim Pendavis, Octavia Saint Laurent, Venus Xtravaganza, Willi Ninja, uno de los innovadores del <i><b>vogue</b></i>, la danza que nació en las calles y en los <i>balls</i> y que pretendía emular las poses de las divas de la revista Vogue, baile que Madonna fagocitaría después y haría famoso y que acabaría llegando a lugares tan lejanos como París y Japón, personajes que aspiran a ser, o que ya son, "leyendas" dentro del microcosmos gay de la ciudad. A ritmo de música disco, los aspirantes caminan contoneando sus caderas o bailan <i>vogue</i>. Como no podía ser de otro modo, <i>Paris is burning</i> está acompañada de buena música, especialmente música disco, pero también temas de Barry White, Diana Ross, Aretha Franklin...<br />El documental ganó el gran premio del jurado en Sundance en 1991.<br /></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4112433452555606996.post-63907546847684346342023-11-12T04:12:00.000-08:002023-11-15T15:34:19.994-08:00«PRIVILEGE» (1967) - PETER WATKINS<p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhN3-J8TDCt0qG9QgMEzu7YSBUdtiPf1n0_EfnSgDzxZMsebKhV3nm88mLJYixZWFVlVrpxZx4mbSPk_6edc5f4bBvI3W-q8nujSS4C8pf-Cl3FpYd05WXh7wf3fdzhG1nDNQYv5kienGmcCDoO6vgI6ebG6k7jGiWNEJy3pIUByeyvh0vH44ODTnXtU8Ux/s521/privilege-291934562-large.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="521" data-original-width="350" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhN3-J8TDCt0qG9QgMEzu7YSBUdtiPf1n0_EfnSgDzxZMsebKhV3nm88mLJYixZWFVlVrpxZx4mbSPk_6edc5f4bBvI3W-q8nujSS4C8pf-Cl3FpYd05WXh7wf3fdzhG1nDNQYv5kienGmcCDoO6vgI6ebG6k7jGiWNEJy3pIUByeyvh0vH44ODTnXtU8Ux/s320/privilege-291934562-large.jpg" width="215" /></a></div><p style="text-align: justify;">El privilegio al que hace referencia el título es el privilegio del que disfruta <b>Steven Shorter</b>, una prominente estrella del rock de los 60 en Gran Bretaña, capaz de movilizar a cientos de miles de fans. Es justamente esa capacidad de atraer a las masas lo que le interesa a los poderes fácticos británicos, que tratan de utilizar a Shorter para conseguir oscuros objetivos, y todo ello, como no podría ser de otra manera tratándose de Watkins, con la participación imprescindible y necesaria de los medios de comunicación de masas, auténtica correa de transmisión de la ideología del poder.<br />El gobierno se sirve del poder de convocatoria de Shorter —interpretado por <b>Paul Jones</b>, actor, cantante y harmonicista de la banda <b>Manfred Mann</b>, y presentador después durante décadas en la BBC— para canalizar en sus conciertos toda la rabia de la juventud, toda esa violencia en estado puro que albergan los jóvenes y que en un momento dado podría ser peligrosa para el gobierno del momento, una coalición entre conservadores y progresistas donde apenas hay diferencias entre unos y otros.<br />La industria de la música, otra industria más dentro de una economía capitalista que trata de maximizar a toda costa el beneficio y minimizar el coste, ha hecho de Shorter su particular gallina de los huevos de oro, así que trata de mimarlo y agasajarlo, poniendo a su disposición a representantes, estilistas, compositores de música, fotógrafos, asistentes... siempre prestos a satisfacer cualquier capricho del artista. Es tal el modo en que su discográfica explota al cantante que no duda en vender cabellos de la estrella como un objeto de consumo más.<br />La vida social del artista es intensa, asistiendo a fiestas, a presentaciones... siempre acompañado por las cámaras de los periodistas, a la vista de todos, sin posibilidad apenas de privacidad alguna; de hecho a menudo no sabemos si el punto de vista de la cámara es el del director o es el de una cámara de alguna cadena televisiva de las que aparecen en la película, jugando así con la mezcla de diferentes planos de realidad. A medida que Shorter va ascendiendo en su carrera hacia la fama, aupado por el poder, su vida se convierte en una caída, en un desmoronamiento hacia su particular infierno individual, sin momentos para la reflexión y sin posibilidad alguna de escapar, convertido en un engranaje más de la máquina.<br />Por su parte la iglesia cristiana utiliza a Shorter para intentar evitar esa hemorragia de fieles que han ido abandonando sus filas en los últimos años. Incluso llega a montar —en una de las secuencias más impactantes de la película— un espectáculo con tintes claramente nazis en que se mezcla pop y religión, con Shorter vestido de rojo y convertido en un nuevo mesías, donde uno de los dirigentes eclesiásticos suelta un discurso a modo de presentación de la estrella, un <i>speech</i> incendiario muy parecido, tanto en el contenido como en la forma, a los que pronunciaba un emocionado <b>Adolf Hitler</b> en Nuremberg, y donde incluso la propia banda de Shorter saluda brazo en alto mientras una audiencia adocenada y aquiesciente corea el eslogan "we will conform" (obedeceremos).<br />Todos a su alrededor se aprovechan de un modo un otro de Shorter. La única que parece ser honesta en sus intenciones es una fotógrafa, Vanessa (interpretada por <b>Jean Shrimpton</b>), que acompaña al artista y que está pintando un retrato de él, tratando de captar quién es realmente el verdadero Steven Shorter, más alla del personaje y de los focos.<br />A veces es una voz en <i>off</i>, en este caso la de Oliver Postgate, la que hace comentarios sobre lo que estamos viendo en pantalla, como si fuera un documental y esa voz en <i>off</i> añadiera el contexto necesario para la compresión de las imágenes, un recurso muy utilizado por Watkins en su filmografía.<br />El protagonista, cansado de ser una marioneta en manos del poder, decide enfrentarse a todos a sabiendas de que ese gesto, tan arriesgado como honesto, puede costarle su carrera musical, su privilegio. Es el individuo frente a la masa, un héroe raquítico luchando contra la pesada pero bien engrasada maquinaria del <i>establishment</i>.
<br />
Tal vez la sátira futurista que es <i>Privilege</i>, estrenada por primera vez el 28 de febrero de 1967, con esa mezcla de poder, pop, populismo barato y propaganda, aderezada con una interesante banda sonora (obra de <b>George Bean & The Runner Beans</b> y de <b>The Mike Leander Orchestra</b>), no es de las mejores películas de Watkins (peaje a pagar por haber rodado obras maestras), pero es una obra notable en la que muestra las constantes de su cine insobornable: mordaz crítica al poder, al Estado, a los <i>media</i>, a una policía violenta inmersa en acciones de represión (muy bien rodadas siempre por el equipo de Watkins)... y en esta ocasión además arremete contra el mundo de la música y el de la religión cristiana, y todo ello salpimentado con algunos detalles humorísticos que no suelen ser muy abundantes en sus otras películas.</p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYFto7Y9KdeNgj49uWkVKOIH2pdj1IO-Z9vlbl61vYVW7AwIWEbXzLpSFXF-BsbbRKsVLbVsnIVr1EmlOl3nNNFCjgHtz88FUEKAyi7pjuUXTNJVxDVGcJdSzlRQ3Y2vcM0vbnQ3_hUv6-BOKzQwFh15WioVo00CvDjogHqNVihR1Y6d5-a1b-HKm15Pgp/s800/privilege_0_1.width-840.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="603" data-original-width="800" height="482" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYFto7Y9KdeNgj49uWkVKOIH2pdj1IO-Z9vlbl61vYVW7AwIWEbXzLpSFXF-BsbbRKsVLbVsnIVr1EmlOl3nNNFCjgHtz88FUEKAyi7pjuUXTNJVxDVGcJdSzlRQ3Y2vcM0vbnQ3_hUv6-BOKzQwFh15WioVo00CvDjogHqNVihR1Y6d5-a1b-HKm15Pgp/w640-h482/privilege_0_1.width-840.jpg" width="640" /></a></div><p><br /></p>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4112433452555606996.post-54255683411635573352023-11-02T08:13:00.004-07:002023-11-02T08:14:14.099-07:00«EL LADO OSCURO DE LA LUNA - LA CRISIS GLOBAL DE LOS MEDIOS DE COMUNICACIÓN» - PETER WATKINS<div style="text-align: justify;"><div style="text-align: center;"><b>EL LADO OSCURO DE LA LUNA<br />La Crisis Global de los Medios de Comunicación - Peter Watkins</b></div><div style="text-align: justify;"><br />Cuando hablo de la "crisis global de los medios de comunicación", me refiero a una serie de problemas relacionados con la estandarización de los medios audiovisuales de masas, que comenzó a principios del siglo XX con el desarrollo de la forma de lenguaje utilizada por Hollywood para narrar y estructurar películas de cine. Esta forma de lenguaje, que fundamentalmente nunca ha cambiado, fue adoptada por la televisión internacional en la década de 1950 y ahora es utilizada por internet, YouTube, redes sociales, etc.</div><div style="text-align: justify;"> </div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjcsGCV9zkmxupXGfhzHJEx2wBHlFASihuWwzZfI0lonecMPy1SqbNoi-GxApCO48aY0uk5jbVN1L1jFp3a-3SGVYDYDaDWRXkfG0NlBaSUyGCD_JeMaHDtst7Sj6WvfjTA96rxucndWE4PrAEpf64TRQ-DdQcZLlq2U0H7ow_JJyzaCGu-x6c6U4oq_lgR/s2000/Peter-Watkins-1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1352" data-original-width="2000" height="432" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjcsGCV9zkmxupXGfhzHJEx2wBHlFASihuWwzZfI0lonecMPy1SqbNoi-GxApCO48aY0uk5jbVN1L1jFp3a-3SGVYDYDaDWRXkfG0NlBaSUyGCD_JeMaHDtst7Sj6WvfjTA96rxucndWE4PrAEpf64TRQ-DdQcZLlq2U0H7ow_JJyzaCGu-x6c6U4oq_lgR/w640-h432/Peter-Watkins-1.jpg" width="640" /></a></div><br />A mediados de la década de 1970, durante unos cursos de verano en la Universidad de Columbia en la ciudad de Nueva York, un grupo de estudiantes y yo estudiamos y especificamos las características de esta forma de lenguaje uniforme y repetitiva que enmarca casi toda la producción de los medios audiovisuales de masas. Lo llamamos la Monoforma.<br />Con pocas excepciones, la Monoforma de Hollywood ha sido adoptada prácticamente por todos los creadores de películas comerciales, la mayoría de los documentales y por todos los aspectos de la producción televisiva, incluyendo la transmisión de noticias. Esta adopción global de una forma de lenguaje, es decir, la estandarización de los medios audiovisuales de masas, es un problema central de la crisis mediática. Esto significa, por ejemplo, que un documental puede tener básicamente la misma forma y estructura narrativa que una serie dramática de Netflix. </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiYGimOYfhPJmlPQOgYpFaskIp-tbi_TpAHRRZlFz2WFeDV-HTaXjukm3ljNzYv92-F6mtgh5tf1bgjEpgpGR6QzsANwWGq1C-YIiGUIRsyeoeRFLZHiut_ItlO760RFSgLbGdAzq6oOpqIViltS-A_qYtGCk2Lk_ToTVT4hXay20n_8PU0hFu4etL0EieY/s687/punishment_park-878076303-large.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="687" data-original-width="482" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiYGimOYfhPJmlPQOgYpFaskIp-tbi_TpAHRRZlFz2WFeDV-HTaXjukm3ljNzYv92-F6mtgh5tf1bgjEpgpGR6QzsANwWGq1C-YIiGUIRsyeoeRFLZHiut_ItlO760RFSgLbGdAzq6oOpqIViltS-A_qYtGCk2Lk_ToTVT4hXay20n_8PU0hFu4etL0EieY/s320/punishment_park-878076303-large.jpg" width="225" /></a></div><div style="text-align: justify;">La Monoforma es como una cuadrícula de tiempo y espacio que se impone sobre todos los diversos elementos de cualquier película o programa de televisión. Esta cuadrícula construida de manera ajustada promueve un flujo rápido de imágenes o escenas cambiantes, movimiento constante de la cámara y capas densas de sonido. Una característica principal de la Monoforma es su edición rápida y agitada, que se puede identificar cronometrando el intervalo entre las tomas editadas (o cortes) y dividiendo el número de segundos entre la longitud total de la película. En la década de 1970, la longitud media de la toma para una película de cine (o documental o noticiero) era aproximadamente de 6 a 7 segundos. Hoy en día, la longitud media de la toma en el cine comercial probablemente sea de alrededor de 3 a 4 segundos, y está disminuyendo. <b>(1)</b><br />Creo que las demandas excesivas de estas imágenes parpadeantes en nuestras respuestas emocionales e intelectuales pueden llevar a distorsiones en las distinciones entre temas y a la confusión al seleccionar y priorizar nuestras reacciones (por ejemplo, ante la visión en un noticiario de un cuerpo sangrante en una zona bombardeada en Siria, seguida de un anuncio publicitario y, antes o después, de la imagen de un cuerpo sangrante similar en una película o serie de televisión, etc.).<br />A pesar de las afirmaciones académicas de que las audiencias están "alfabetizadas en medios de comunicación", la velocidad estandarizada a la que se entrega la información audiovisual es probablemente demasiado rápida para ser manejada adecuadamente por el cerebro, que tiene que digerir y procesar el rápido y continuo cambio de información visual (y auditiva) de una escena a la siguiente, y a la siguiente, y así sucesivamente. Puedo anticipar una respuesta negativa del sector de educación en medios de comunicación a este análisis argumentando que es "arrogante" suponer que las audiencias no pueden entender o descifrar el funcionamiento de la Monoforma (incluso si creen que existe tal cosa). Pero el hecho de que los espectadores consuman la Monoforma todos los días no significa que entiendan cómo (o por qué) funciona de la manera en que lo hace. La forma en sí misma puede neutralizar cualquier comprensión de cómo funciona, incluso habituándonos a su presentación, por no mencionar sus propiedades más subterráneas y menos perceptibles. Como este tema nunca es planteado por los MAVM (medios audiovisuales masivos) y rara vez es discutido por los educadores en medios de comunicación, apenas hay un caudal de análisis o información en la que la gente pueda confiar.<br />Los estudiosos de los medios también afirman que este proceso de mensajes fragmentados es beneficioso porque, siguiendo la verdadera tradición posmoderna, nos permite interpretar el material audiovisual de múltiples maneras diferentes. Pero sin un foro público o una discusión colectiva, estas reacciones individuales fragmentadas no son propensas a sacarnos de nuestra actual situación global. ¿Podemos observar el caos político, social y ambiental de nuestro mundo y no preguntarnos si las formas de comunicación más poderosas jamás concebidas por el hombre podrían desempeñar un papel en lo que está sucediendo?<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnrZFdSjnSPbKfCckqpa5EXhEyhGx0mgX2dB1VFouO-Tgf2kGPB4LdE9-kbDUWRcoHqmWBcsjLyM_Jh2Eqqsyc2Tt36GfbV8baF4SR7es3A3_Sk0BGdsnV24q4_pFmGTCFisJgj1Da0dRpuSfHQ1cVP4BFx9xyjDSEDp6D5JmZW2VbDSWI9Udh_fIZrO32/s400/la_commune_paris_1871-188363241-large.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="285" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnrZFdSjnSPbKfCckqpa5EXhEyhGx0mgX2dB1VFouO-Tgf2kGPB4LdE9-kbDUWRcoHqmWBcsjLyM_Jh2Eqqsyc2Tt36GfbV8baF4SR7es3A3_Sk0BGdsnV24q4_pFmGTCFisJgj1Da0dRpuSfHQ1cVP4BFx9xyjDSEDp6D5JmZW2VbDSWI9Udh_fIZrO32/s320/la_commune_paris_1871-188363241-large.jpg" width="228" /></a></div></div><div style="text-align: justify;">El otro día hubo una reunión pública en nuestro pueblo en Francia con el tema "Comment s'adapter face au changement climatique" (Cómo adaptarse al cambio climático). Principalmente, el enfoque de la charla fue la adaptación. Aislar un techo para evitar la pérdida de calor es importante, pero no es un análisis de lo que ha causado el cambio climático, o cómo oponerse a él, o el papel desempeñado por los MAVM en fomentarlo. De la misma manera, las audiencias, la mayoría de los profesionales de los medios y los educadores en todo el mundo se han adaptado a la Monoforma y sus efectos, con poca discusión, cuestionamiento o desafío.<br />Solo podemos especular sobre los efectos psicológicos y ambientales a largo plazo del uso sostenido de la Monoforma MAVM. Pero entre los que han salido a la luz, ya en la década de 1990, está el hecho de que ha habido una disminución severa en la atención de los niños (y ahora la mayoría de los adultos) en las últimas 3-4 décadas.<br />Significativamente, no hemos hecho nada para intentar revertir este problema de atención, ni siquiera discutimos sus posibles fuentes. ¿Por qué ocurre esto? Creo que vale la pena repetir que esto puede deberse al hecho de que el lenguaje de los medios de comunicación de masas Monoforma ha neutralizado nuestra conciencia misma de sus efectos, despriorizando o incluso bloqueando cualquier intento de desafiarlo, y mucho menos cambiarlo.<br />Al considerar el problema de la estandarización, es importante tener en cuenta que la Monoforma es solo una de las numerosas formas de lenguaje audiovisual y procesos disponibles para los medios de comunicación de masas y para el cineasta individual. El cine, la cultura popular televisiva, los programas de noticias y documentales podrían permitir múltiples variaciones en el uso del tiempo, el espacio y el ritmo. El potencial de variedad queda demostrado por las diversas películas narrativas alternativas, documentales y experimentales que se han producido durante la historia relativamente breve del cine. Muchas de ellas no utilizan la Monoforma para relacionarse con sus audiencias. Desafortunadamente, dada la abrumadora presión de los MAVM contemporáneos, la mayoría de las obras alternativas rara vez se ven fuera de festivales de cine "especializados" o cursos de cine.<br />Esto, a su vez, significa que los MAVM continúan impidiendo cualquier debate profesional serio o discusión abierta en público sobre las formas en que podríamos aprender, incluso a partir de trabajos alternativos, cómo romper con las prácticas mediáticas estándar y desvincular la relación embrutecedora que existe entre los MAVM y el público.<br />Podemos deducir de todo esto que la Monoforma no es solo una forma de lenguaje particular, sino que también es el <i>ethos</i> completo detrás del enfoque de los MAVM hacia la comunicación de masas y la relación con el público. La misma palabra "comunicación" es un término equivocado desde el principio, ya que una comunicación genuina de dos vías no existe de la manera en que los MAVM funcionan, ya sea con respecto a sus propios colegas profesionales o en relación con el público.<br />En lo que respecta al entorno interno de los MAVM, sus miembros han creado y aceptado sus propias prácticas profesionales ("demonios", prefiero llamarlos así). Estas incluyen el ejercicio denigrante llamado "pitching", en el que los cineastas buscan financiamiento para sus proyectos de televisión o cine al presentar su idea de programa ante sus colegas profesionales en aproximadamente seis minutos. Es evidente que una práctica profesional como esta reproduce el <i>ethos</i> de la Monoforma. ¿Seis minutos para evaluar, aceptar o rechazar el tema de un documental?<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOAhqiwHtzt1RfWenM-wsKhdHdU-WK7sXum4XCBSOVIBlPK8DIbEaMIP486I-o154Jzvd0OfJ0cFQ3H-Bt9E1daIBNlDKZPXIwIhJ9txjw_HCczHM4SwbHbv2PJ9rvwILUEZXD9mR9jEx5bZx5fZFyIG5j8Y9daGEWtnn-56rDmfZnGbzCYZNk5D8BUH0Q/s1200/the_war_game-184127840-large.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="800" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOAhqiwHtzt1RfWenM-wsKhdHdU-WK7sXum4XCBSOVIBlPK8DIbEaMIP486I-o154Jzvd0OfJ0cFQ3H-Bt9E1daIBNlDKZPXIwIhJ9txjw_HCczHM4SwbHbv2PJ9rvwILUEZXD9mR9jEx5bZx5fZFyIG5j8Y9daGEWtnn-56rDmfZnGbzCYZNk5D8BUH0Q/s320/the_war_game-184127840-large.jpg" width="213" /></a></div>También está la práctica de programación de televisión conocida como el "reloj universal", en la cual una hora de programa tiene en realidad 52 minutos (o menos), para permitir tiempo para la publicidad comercial. Esto significa que aquellos programas de televisión y películas que pueden explicarse en seis minutos se editan a una longitud uniforme de precisamente 52 minutos, independientemente de la demanda o importancia de su tema. El "reloj universal" permite a las cadenas de televisión reemplazar programas (deberían llamarse "módulos") en el último minuto por otros de la misma longitud.<br />Esta situación kafkiana es mucho peor en sus implicaciones para el público. Ya he descrito cómo se construye generalmente la forma de lenguaje audiovisual de masas. Pero, ¿cuál es la ideología que la respalda? Quizás no podamos darle un nombre preciso, pero ciertamente podemos describir su intención, que es lo opuesto a cualquier forma de comunicación genuina de dos vías. El objetivo de los MAVM es crear un flujo ininterrumpido de puntos de impacto (llamados sorpresas por un cineasta) que evitarán que los espectadores se aburran y, lo que es crucialmente importante, que experimenten una variedad de reacciones sin que tengan tiempo para reflexionar o cuestionar lo que está entrando en su subconsciente. Por supuesto, la naturaleza humana no siempre funciona de esta manera, pero eso no altera la intención de los creadores profesionales de la Monoforma.<br />Los MAVM no están solos a la hora de crear y mantener la crisis descrita aquí. Gran parte del mundo de la educación en medios de comunicación, incluyendo Estudios de Medios, Periodismo y Estudios Culturales, Cine y Televisión, programas de formación docente, escuelas nacionales de cine y universidades, ahora es cómplice de los MAVM en limitar la relación entre los medios audiovisuales y el público.<br />A lo largo de los años, la mayoría de los profesionales de los MAVM y de la educación en medios de comunicación han impuesto la Monoforma como el requisito <i>sine qua non</i> para el éxito de cualquier película de cine, programa de televisión o documental. "Éxito" aquí no significa transmitir mensajes audiovisuales de tal manera que el público participe de manera pluralista en el proceso. Al contrario, para muchos profesionales, "éxito" significa crear una audiencia cautiva que permita pasivamente que los mensajes jerárquicos audiovisuales, tanto manifiestos como latentes, penetren profundamente en su subconsciente. Las posibles consecuencias inherentes al uso de los MAVM rara vez son discutidas por los profesionales de los medios y apenas se discuten más dentro de los pasillos de la mayoría de las instituciones contemporáneas de educación en medios. La discusión sobre el tema a nivel universitario generalmente se subsume por la instrucción priorizada de las formas y técnicas, las "habilidades" o "prácticas estándar", de la Monoforma.<br />Por ejemplo, una vez le pregunté a un profesor de estudios de medios de comunicación en una universidad del sur de Francia sobre la enseñanza crítica y la Monoforma en sus cursos. Vaciló y luego dijo: "Bueno, les enseñamos prácticas de medios estándar". Le pregunté si se refería a la Monoforma... "¡No, no!" dijo apresuradamente, y luego procedió a tranquilizarme diciéndome que se refería a enseñarles cosas prácticas como qué botones presionar en las máquinas de edición. Evitó decirme qué se les enseñaba a los estudiantes una vez que sabían qué botones presionar, pero sí aclaró la posición de su departamento de medios: "Permitimos que los estudiantes hagan sus propias películas alternativas, pero, por supuesto, sabemos que estos estudiantes nunca entrarán en los medios profesionales..."<br />En cierta ocasión quedó registrada la siguiente declaración hecha por un ejecutivo de televisión: "Estamos por delante del juego porque hemos tenido que hacerlo durante tanto tiempo... incorporas la personalización desde el principio, casi en el momento en que el lápiz toca el papel... hay cineastas que dicen con bastante razón: ‘Este es mi trabajo y quiero que se quede como está'. Ese es su derecho y lo respetamos. Esas son las películas que no compramos y esas son las películas que no transmitimos". <b>(2)</b><br />Lo que llama la atención aquí (¡aparte de la ironía de que el hablante fuera un ejecutivo del Discovery Channel!) no es solo el hecho de que el sector de la educación en medios sabe, a priori, que los MAVM generalmente evitarán o suprimirán el trabajo alternativo, sino también la implicación de que los educadores parecen estar haciendo poco, si es que hacen algo, para cambiar, y mucho menos desafiar, esta situación.<br />Debe ser desesperanzador para aquellos estudiantes con visiones diferentes del cine y la forma documental darse cuenta de que en realidad han sido descalificados por sus profesores y que no pueden esperar apoyo profesional una vez que abandonen la formación universitaria, simplemente porque han elegido formas no estándar de expresión audiovisual.<br />Esto plantea una pregunta esencial: ¿cuál es exactamente el papel de un curso de medios de comunicación en una escuela o universidad? ¿Es proporcionar una formación profesional autoritaria y estrechamente dirigida como una forma de aprendizaje antes de entrar en una profesión o industria particular? ¿O la educación, en el sentido más amplio, está destinada a alentar a las personas a examinar el mundo que les rodea y ofrecer una variedad de puntos de vista y posibilidades alternativas, junto con la libertad para desarrollar sus propias percepciones críticas y sus propios talentos creativos?<br />La respuesta a esta pregunta es, lamentablemente, demasiado obvia. Recientemente, he comenzado a investigar los cursos ofrecidos por las universidades del Reino Unido que imparten educación en medios de comunicación, y de las docenas que he revisado hasta ahora, casi todas parecen enseñar las "prácticas estándar" de los MAVM a estudiantes de medios de comunicación, cine y periodismo, con la idea, presumiblemente, de que proporcionarán 'sangre nueva' para la maquinaria de la industria de la comunicación de masas. De manera alarmante franca en su publicidad, la mayoría de estas universidades ofrecen "enseñanza innovadora" y "vanguardista", "formación crítica" y promesas de "colocación laboral" dentro de los medios de comunicación de masas.<br />Sospecho que hay cierta confusión en esos términos, incluyendo la palabra "crítica". "Innovadora" en realidad significa pasar de un molde a otro. No discutir la crisis mediática ni los problemas inherentes a la estandarización de los MAVM siempre afectará a los estudiantes y, a su vez, al público que ve/escucha/lee.<br />Hay que ser cauteloso con promesas como "aprenderás con destacados nombres de los medios, comunicaciones y estudios culturales". Muchos de estos profesores y trabajadores de medios también han crecido como hijos de la Monoforma, a menudo sin una educación en medios genuinamente crítica, con el resultado de que la mayoría de ellos ven los medios estandarizados como una parte "normal" de la cultura y, por lo tanto, más allá de cualquier desafío holístico.<br />Una universidad del Reino Unido escribe: "El cine es la forma de arte dominante del siglo XXI, reflejando e influyendo en la sociedad y la cultura. Aprender a leer películas como algo más que una forma de entretenimiento desarrollará tus habilidades de análisis e interpretación". Pero más abajo se lee que esta misma universidad ha gastado una suma increíble de dinero (suficiente para alimentar, vestir y albergar a miles de personas desplazadas) en "inversiones en instalaciones universitarias para asegurarse de que los estudiantes tengan acceso al equipo más actualizado y estándar de la industria. Nuestros sólidos vínculos con empleadores significan que nuestros estudiantes tienen aseguradas prácticas laborales como parte de su aprendizaje más amplio...".</div><div style="text-align: justify;">Había esperado que las escuelas de arte fueran de alguna manera un oasis en esta escena deprimente, pero en mi investigación inicial encontré inmediatamente una escuela de arte en el Reino Unido que ofrece cursos de formación en medios y utiliza una empresa local de producción de vídeos para proporcionar equipo y formación. El vídeo promocional producido por esta empresa para la escuela es casi una sátira del género “biff-bang-wallop” (cine de puro espectáculo y mucha acción), con escenas que pasan volando en menos de unos pocos segundos. Acompañado de música estridente y movimientos gimnásticos de la cámara, es prácticamente un ejercicio de “do it yourself” (hazlo tú mismo) para producir la Monoforma.<br />La cultura popular de los medios de comunicación es otro frente amplio que abarca la educación en medios no crítica. A principios de la década de 1980, enseñar cultura popular se convirtió en un negocio casi tan grande como el propio sector. La propaganda en este caso incluía un énfasis en los presuntos "valores democráticos" inherentes a la cultura popular (telenovelas, series de crimen, etc.) debido a su apelación comúnmente compartida a nivel "de la calle".<br />Acompañando la propaganda estaba la amenaza apenas velada por parte de ciertos académicos de que la oposición a la cultura popular mediática era "clasista y elitista". Esta forma de marginación rara vez cuestionada se convirtió efectivamente en un obstáculo serio para una educación en medios genuinamente crítica. Y treinta años después, tenemos muy pocas discusiones críticas sobre la naturaleza autoritaria y los valores de las "prácticas estándar" de los medios populares, incluyendo su papel en incrustar profundamente la Monoforma en la cultura de los MAVM y, por ende, entregarnos en brazos de intereses comerciales y dictados del Estado.<br />¿Por qué los departamentos de medios de muchas instituciones universitarias son cómplices en la crisis de los medios, por qué se comportan como sucursales de los MAVM en lugar de ser lugares de aprendizaje independientes?<br />Entiendo la necesidad de colocación laboral en esta época, pero ¿colocación laboral en qué y con qué fin? A menudo he escuchado a estudiantes de medios de comunicación, que han trabajado en los MAVM durante uno o dos años, decir que conocían las dificultades en su profesión y que habían planeado cambiar las cosas, desarrollar sus propias ideas una vez que entraran en el mercado laboral. Les llevó alrededor de un año más o menos darse de bruces con la realidad.<br />¿Por qué tantas universidades agravan el problema al negarles a sus estudiantes una evaluación más integral y crítica de los MAVM y su papel en la sociedad?<br />La enseñanza de los medios de comunicación no crítica se está propagando como un reguero de pólvora en el sector de la educación secundaria. Varios países utilizan sus sistemas educativos para impartir a sus estudiantes las "habilidades" necesarias para filmar películas y vídeos (incluso si estos estudiantes no tienen intención de unirse a los MAVM), utilizando así un método clásico para enseñar a los jóvenes a aceptar la cultura popular consumista y fragmentada.<br />Como ejemplo de la dirección general de la enseñanza global de medios, cito un párrafo promocional sobre un programa en el sistema educativo nacional francés llamado CLEMI, que se enfoca en involucrar a los alumnos de secundaria en la red de la cultura popular mediática y habilidades profesionales: "Cada año, miles de estudiantes toman la palabra y, con la ayuda de sus profesores, producen periódicos impresos y en Internet, programas de radio y vídeos. Los proyectos de medios escolares permiten a los jóvenes adquirir habilidades mucho más allá del conocimiento tradicional". Huelga decir qué habilidades y puntos de vista del mundo están involucrados aquí, y qué papel juega la Monoforma en todo esto.<br />Puedo imaginar una refutación del sector argumentando que se está enseñando a los jóvenes a ser "alfabetizados en medios", pero dado que esta pedagogía parece basarse en enseñar cómo "apreciar los placeres estéticos" del cine, es dudoso que haya una evaluación crítica seria de los MAVM. Escribí a varias escuelas francesas locales que promocionan el programa CLEMI, para preguntar si discuten la estandarización de los MAVM, pero no recibí respuesta incluso después de enviar varias cartas.<br />Muchos profesionales de los medios y la educación niegan la existencia de una forma audiovisual estandarizada y controladora. De hecho, la mayoría parece ser completamente inconsciente del papel que desempeña una forma estructural del lenguaje cuando producen (o enseñan) cine y televisión, y parecen tener grandes dificultades para aceptar que la forma en que se estructura y entrega un mensaje afecta directamente la forma en que se recibe y percibe el mensaje.<br />Si, por ejemplo, estoy en una reunión pública y tengo un mensaje que transmitir a alguien en la audiencia que está frente a mí, tengo varias opciones. Puedo hablar directamente desde la plataforma. O puedo escribir el mensaje en un trozo de papel, ponerlo dentro de una lata de cine de acero y lanzar la lata al destinatario. Por otro lado, puedo sentarme junto a la persona y darle el mismo mensaje en voz baja. Mejor aún, puedo participar en un diálogo. Cada método entrega el mensaje, pero cada método tiene un significado completamente diferente para el participante que recibe y acepta dicho mensaje. Y sí, ha habido una elección.<br />Sin embargo, nosotros, que trabajamos con los MAVM, especialmente aquellos de nosotros que producimos, dirigimos, editamos o enseñamos, parecemos en su mayoría incapaces de aplicar esta lógica a cómo estructuramos mensajes audiovisuales, de comprender que la forma en que organizamos el tiempo, el espacio y el ritmo cinematográfico puede afectar directamente al modo en que el espectador percibe el contenido, o imaginar que hay numerosas posibilidades de variaciones en este proceso. Y así, los profesores de medios continúan enseñando a los estudiantes de medios, y de manera aún más alarmante, a los alumnos de secundaria, las "habilidades" que son necesarias para la "práctica estándar" de hacer una película o un vídeo.<br />Aparte del probable papel de los MAVM en fomentar el consumismo, el cambio climático, el sexismo, la agresión, el miedo al otro, los sentimientos antiinmigrantes, la privatización en lugar de la colectividad, etc., y aparte del papel destructivo que la imposición de las prácticas estándar de los medios ha tenido en el desarrollo creativo del cine y la televisión, seguimos negando cualquier debate público o pedagógico sobre la posibilidad de elección democrática en la forma en que la comunidad en general recibe material audiovisual. Negamos al público cualquier forma de papel pluralista en la creación y recepción de los MAVM. Claramente, nosotros los profesionales no queremos esto, queremos al público a una distancia segura, porque nos asustan. Por lo tanto, utilizamos una forma de lenguaje calculada para negar tiempo y espacio para la reflexión, y mucho menos para interrogar sobre lo que los espectadores están viendo y escuchando.<br />Dada esta situación, tratar de encontrar un lugar de aprendizaje sin las trampas dirigidas por la industria que he descrito aquí requiere una búsqueda cuidadosa para intentar conseguir una forma de educación en medios no autoritaria y más abierta. Aún existe. Encontré un sitio web de una universidad inglesa que dice: "Vivimos en una sociedad multicultural y un mundo saturado de medios. La mayor parte de lo que sabemos sobre el mundo nos llega a través de los medios, pero ¿cuánto sabemos sobre los medios? Ya sea como fuentes de información, productores de entretenimiento o modos de autoexpresión creativa, los medios contemporáneos rara vez son objeto de un escrutinio intenso y una interrogación crítica, excepto durante momentos febriles de escándalo, crisis o pánico".<br />Esta universidad sugiere que los estudiantes exploren estos problemas fusionando sociología, estudios culturales y de medios; de hecho, el curso se ofrece desde el Departamento de Sociología. El sitio web continúa: "Se le animará a reflexionar críticamente sobre el papel de los medios populares en la estructuración de nuestras vidas cotidianas. El curso examina el papel de los medios en la reproducción, difusión y desafío de las relaciones de poder hegemónicas, así como en el pensamiento sobre las formas en que se construyen géneros, sexualidades y 'raza' en las culturas mediáticas globales".<br />"No es un título vocacional o basado en la práctica. Sin embargo, es un título que te enseñará habilidades de pensamiento crítico, investigación independiente y análisis altamente relevantes para el desarrollo e innovación en los sectores culturales y de medios".<br />No he asistido a este curso ni he visitado esta universidad. Sin embargo, estoy muy alentado por lo que escribe y por el hecho de que no viene acompañado de afirmaciones de un nuevo estudio de millones de dólares o de promesas de ser "innovador" y estar en la "vanguardia".<br />Entiendo que los problemas a los que me refiero no es todo blanco ni negro. Por ejemplo, he notado nuevos desarrollos que se han filtrado en la forma del lenguaje de varios largometrajes narrativos en la última década más o menos: una disposición a mantener la cámara en el rostro de alguien durante una escena de diálogo, una mayor complejidad en la estructura narrativa, fusionando pasado y presente, etc. No se puede decir en qué medida estos cambios se deben a una comprensión crítica mejorada del problema de la Monoforma, o simplemente están ahí como interesantes cambios estilísticos. El uso repetido de este último puede, por supuesto, hacer que se conviertan en elementos de la Monoforma, o, también es posible, en una nueva Monoforma revisada.<br />Aún más complejo es el hecho de que el uso de la Monoforma en sí misma no siempre anula el valor del tema, o la intensidad de la actuación, o una estructura compleja en particular. Todos hemos visto películas donde estos elementos superan las limitaciones de la Monoforma. Por ejemplo, la otra noche, mi esposa Vida y yo vimos una película de Irán titulada <i>Life+1 Day </i>(2016, Saeed Roustayi). Ambientada en el Teherán de hoy, la película representa a una familia atrapada en los problemas de la pobreza, la adicción a las drogas y un matrimonio concertado que dejará a la familia en una situación aún peor. La interpretación del elenco fue notable y de ninguna manera limitada por la Monoforma. Por supuesto, el mismo efecto dinámico, la misma conciencia aplicada al sufrimiento causado por la pobreza, podría haberse logrado mediante otras formas de lenguaje, pero esto no cambia el hecho de que fue muy efectivo tal como se transmitió aquí a través de la Monoforma. Sin embargo, esto no significa que la Monoforma funcione igual de bien cuando se aplica uniformemente a casi todo el material audiovisual.<br />Ahora debo llamar la atención sobre otro aspecto altamente problemático de la Monoforma: la represión que la mantiene en su lugar. El hecho de que dé ejemplos de la marginación de mi propio trabajo no significa, quiero enfatizar, que estas experiencias sean únicas para mí. Pero como no tengo acceso a las experiencias de vida de otros cineastas, ofrezco algunos ejemplos de las mías, como evidencia de la manera en que las ideas alternativas y críticas son desacreditadas y marginadas dentro de los medios audiovisuales.<br />Para empezar desde el principio de mi propia historia: después de un período agradable haciendo películas amateur, me entrené, a principios de la década de 1960, en la BBC. Allí nos enseñaron que la "objetividad" profesional era la condición <i>sine qua non </i>absoluta de la radiodifusión televisiva. Se nos informó que si no aplicábamos este estándar, sino que permitíamos que la subjetividad influyera en nuestro trabajo, tendríamos que dejar la BBC y "buscarnos la vida en otro sector" (!). La Monoforma evidentemente nunca se discutió, ni tampoco la mentira de que hay una manera "neutral" de presentar información audiovisual.<br />Aunque no estaba al tanto, antes de la época que pasé en la Universidad de Columbia a mediados de la década de 1970, de los problemas de la Monoforma, y a pesar de que usé esta forma de lenguaje de manera libre para estructurar mi propio trabajo, desde el principio intenté subvertir el concepto de "realidad" mediática y la infalibilidad. Utilicé lo que esperaba que fuera una señal de advertencia visible (un estilo de documental falso), y expresé mis sentimientos subjetivos en mi trabajo (sobre las consecuencias de la guerra nuclear en <i>The war game</i>, los efectos conformistas de la cultura popular en <i>Privilege</i>, el trato a los manifestantes en <i>Punishment park</i>, los sentimientos personales expresados en <i>Edvard Munch</i>, etc.). Pero no estoy del todo seguro de que estos intentos pesen más que los problemas de percepción inherentes a la Monoforma tal como la usé en estos y otros trabajos antes de la década de 1980.<br />Definitivamente intenté desafiar la estructura estándar de la Monoforma en mis películas posteriores, <i>The journey, The freethinker, La Commune</i>, pero su éxito o fracaso no es algo que pueda juzgar.<br />La crítica a mis películas por parte de la MAVM y numerosos críticos de cine ha sido constante. Comenzó en la década de 1960 con la prohibición de <i>The war game</i> y con intentos deliberados por parte de la BBC de difamar mi nombre en ese momento <b>(3)</b>. La marginación en el Reino Unido se intensificó con ataques vehementes por parte de la prensa británica a mi primera película<i> Privilege</i>, y con la prohibición televisiva de <i>Punishment park</i> en Estados Unidos (que continúa hasta el día de hoy); incluyó el bloqueo de mis propuestas para documentales dramáticos en televisión sobre el peligro del colapso nuclear (me dijeron que esto nunca podría suceder); persistió con el rechazo de la cadena de televisión franco-alemana ARTE (coproductora de la película) de proyectar <i>La Commune</i> a una hora normal, seguido más tarde por la destrucción del negativo de la película por parte del productor original <b>(4)</b>, etc.<br />Estas acciones se han entrelazado con la marginación prolongada por parte de los educadores de medios de comunicación de mi trabajo crítico sobre la Monoforma, y por las escuelas que no me han permitido trabajar con sus estudiantes. En el lado positivo, en los últimos años he recibido mucho apoyo de varias universidades y colegios donde he impartido cursos críticos sobre medios de comunicación (Columbia en Nueva York; Utica College, Nueva York; Wayne State University, Detroit; Monash en Melbourne, Australia; Universidad de Auckland, Nueva Zelanda; las escuelas secundarias de la Cruz Roja y Biskops-Arno, Suecia; etc.). Pero nunca he sido aceptado en el ámbito universitario más general a largo plazo para desarrollar cursos de educación crítica sobre medios de comunicación.<br />Un aspecto particularmente desagradable del proceso de marginación ha sido la naturaleza <i>ad hominem</i> de los ataques a mi trabajo, ya sea por parte de mi propia profesión o en el campo de la educación de medios de comunicación. Notable en los últimos años es el hecho de que incluso un reconocimiento de que mis películas pueden tener cierta validez se "equilibra" con un ataque, a menudo vindicativo, hacia mí personalmente.<br />Otro aspecto de la marginación contra mi trabajo podría llamarse “la eliminación”: en lugar de insultar, esta práctica finge que mis películas y mi crítica de medios apenas existen. Hace algunos meses, recibí un correo electrónico de un escritor y entusiasta del cine turco, que comentó que las generaciones más jóvenes no están al tanto de mi trabajo. También mencionó que nunca había visto un artículo sobre mi trabajo en <i>Cahiers du Cinéma</i> o en la revista británica <i>Sight and Sound</i>. A menudo me han dicho que los jóvenes no han oído hablar de mis películas. Creo que esto es especialmente cierto en mi propio país, donde los órganos cinematográficos del statu quo han llevado a cabo una política de "evitar cuidadosamente" mi trabajo. <b>(7,8)</b><br />Un último aspecto de la crisis de los medios es el festival internacional de cine, un fenómeno del que escribo con detalle en mi sitio web. Baste decir aquí que incluso los festivales menos comerciales (por ejemplo, los que no tienen alfombra roja) encuentran casi imposible romper su patrón tradicional de consumo masivo, para permitir que el público tenga tiempo para discutir lo que están viendo. Hay aún menos tiempo para debatir sobre el tema de las formas estandarizadas que están apareciendo ante sus ojos. Yo, y aquellos que en ocasiones han representado mi trabajo, hemos pedido a los organizadores de festivales una discusión pública (no un evento comisariado y controlado por expertos en cine) sobre los problemas planteados por mi trabajo, pero se nos ha negado esta posibilidad. "No hay tiempo", generalmente nos dicen. O quizás no haya deseo.<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZFIeZIuBoWJSVH2lAnJYC49krlKjptWRTo97PfyruW6o_jHRvJQkZ9ThxfzzJ0PD6IPOIFWeajvDuXIuZnkMGsv9QTqZRYJI_nQwB6AR0tQNsgnTs3kMNn8Br1IjkbeyQo7JjHm3-CWrQmwiKdrrw12jRrX3hhmAqmyvMzVL4mHit-0CinED2BosbKHjS/s475/gladiatorerna_the_gladiators_peace_game-466486818-large.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="475" data-original-width="335" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZFIeZIuBoWJSVH2lAnJYC49krlKjptWRTo97PfyruW6o_jHRvJQkZ9ThxfzzJ0PD6IPOIFWeajvDuXIuZnkMGsv9QTqZRYJI_nQwB6AR0tQNsgnTs3kMNn8Br1IjkbeyQo7JjHm3-CWrQmwiKdrrw12jRrX3hhmAqmyvMzVL4mHit-0CinED2BosbKHjS/s320/gladiatorerna_the_gladiators_peace_game-466486818-large.jpg" width="226" /></a></div>Sea como fuere, los problemas que han afectado a mi propio trabajo son relevantes solo si pueden ayudar a generar un debate sobre la resistencia de la MAVM y el sector de educación de medios para liberarse de sus prácticas estandarizadas y para reexaminar seriamente el impacto que tienen en el público y en los estudiantes.<br />El desafío esencial es encontrar formas de animar a las personas a abordar estos problemas con los profesionales de la MAVM y la educación de medios, para presionar por un debate crítico y un cambio democrático que al menos pueda llevar a una verdadera elección para el público entre la Monoforma y procesos de medios alternativos y pluralistas. Esto sirve también para lo que se enseña a los estudiantes y alumnos.<br />Dada la difícil realidad, estoy extremadamente complacido de que el Wolf Kino en Berlín haya decidido no solo albergar una retrospectiva de mi trabajo en mayo y junio de 2018, sino también abrirlo para su discusión pública sobre su relación con la crisis de los medios que he compartido aquí. En esta ocasión, ¡habrá tiempo!</div><div style="text-align: justify;"><br />Peter Watkins, </div><div style="text-align: justify;">Felletin, Francia Marzo-abril de 2018 </div><div style="text-align: justify;">Editado: Vida Urbonavicius</div><div style="text-align: justify;"><br />NOTAS AL PIE:<br /><b>1.</b> Consultar también Barry Salt, ‘Film Style and Technology: History and Analysis', 1983 y ‘Cinemetrics', la base de datos de medición de películas y herramienta de estudio creada por Yuri Tsivian y Gunars Civjans en 2005. cinemetrics.lv/dev/tsivian<br /><br /><b>2.</b> Extracto del documental The Universal Clock – The Resistance of Peter Watkins (2001; dirigido por los cineastas canadienses Geoff Bowie y Petra Valier)<br /><br /><b>3.</b> En diciembre de 1966, la BBC afirmó en las noticias de la noche (!) que yo había ocultado trampas en el brezo para que fuera más “real” cuando los Highlanders fueron derribados por el ejército gubernamental en mi película <i>Culloden</i>. Esta 'información' no se había verificado con el elenco y era completamente falsa.<br /><br /><b>4. </b>Este episodio y otros métodos de marginación se describirán más detalladamente en la Parte II de esta declaración.<br /><br /><b>5. </b>Entre las enciclopedias de cine del Reino Unido que no mencionan mi trabajo: CINEMA THE WHOLE STORY editado por Philip Kemp, 2013; NEW BIOGRAPHICAL DICTIONARY OF FILM de David Thomson, 1975, reeditado en 2010; RADIO TIMES (Reino Unido) GUIDE TO FILMS (2016) - el índice termina con Punishment Park (1970); BFI CINEMA BOOK 3 (la última edición - ¿el año es desconocido?); THE OXFORD HISTORY OF WORLD CINEMA 1996. No estoy seguro si TIME OUT LONDON todavía se publica, pero durante aproximadamente 20 años, esta gran publicación anual de críticas de cine en Londres conservó una reseña temprana de <i>Culloden</i>, que incluía la siguiente afirmación: "Su obra puede caracterizarse como una progresión desde la histeria polémica hasta la paranoia formal".<br /><br /><b>6.</b> Como nota positiva, debo mencionar que aunque el British Film Institute ha jugado un papel muy ambivalente con respecto a mi trabajo (incluyendo rechazar ser parte de una gira de conferencias que di en el Reino Unido en 1996), ahora hay una reseña muy positiva de mi trabajo en el sitio web del BFI: screenonline.org.uk.</div></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4112433452555606996.post-9312947066599345432023-06-19T12:05:00.000-07:002023-06-19T12:05:00.511-07:00 PRESENTACIÓN DE «SPACESHIP BLUES BAND» EN GIJÓN (18.06.2023)<div style="text-align: justify;">
... el domingo 18 de junio estaremos en Gijón, en el <b>FeLix</b> 2023. Será a las 18.00 en la caseta de Pez de Plata, la número 1, y luego a las 19.45 en la Carpa Alborá estaremos dialogando con el periodista y escritor <b>Jorge Alonso</b> sobre la novela<b><i> Spaceship Blues Band</i></b> y sobre rock, música en general, los 60 y lo que surja. Estáis tod@s invitad@s...</div><div style="text-align: justify;"> </div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXMf5cC2Xb_bvyhHTGNyv4ydiustlNpRm-56yX4VrNOYrDNWah15Ps-Jre3LWxW-klNNUxdH9VlIlKmYxnGqS3NBHGTFYCtZ_fVAzrFvzljSJpxT2uKyjGhX6esrePtqA4i5uBZwkbAJIiSRK6o5nwciQ_CHZagm_Ya9MK5NETkEK4lnIAGGRt07LOC0py/s1600/feriaLibroXixon.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1131" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXMf5cC2Xb_bvyhHTGNyv4ydiustlNpRm-56yX4VrNOYrDNWah15Ps-Jre3LWxW-klNNUxdH9VlIlKmYxnGqS3NBHGTFYCtZ_fVAzrFvzljSJpxT2uKyjGhX6esrePtqA4i5uBZwkbAJIiSRK6o5nwciQ_CHZagm_Ya9MK5NETkEK4lnIAGGRt07LOC0py/w453-h640/feriaLibroXixon.jpg" width="453" /></a></div> </div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4112433452555606996.post-41367317390116430992023-06-15T01:01:00.002-07:002023-06-15T01:01:18.067-07:00PRESENTACIÓN DE «SPACESHIP BLUES BAND» EN GRANADA (15.06.2023)<p style="text-align: left;"><span class="x193iq5w xeuugli x13faqbe x1vvkbs x1xmvt09 x1lliihq x1s928wv xhkezso x1gmr53x x1cpjm7i x1fgarty x1943h6x xudqn12 x3x7a5m x6prxxf xvq8zen xo1l8bm xzsf02u x1yc453h" dir="auto">...
hoy, jueves 15 de junio a las 20 h, estaremos en Granada, por si os
apetece acudir a la presentación de la novela "Spaceship Blues Band" en
¡¡¡Tremenda!!! Librería, c/ Molinos, 22. Habrá también música de Tío Phil. Estáis
invitad@s...</span><span class="x193iq5w xeuugli x13faqbe x1vvkbs x1xmvt09 x1lliihq x1s928wv xhkezso x1gmr53x x1cpjm7i x1fgarty x1943h6x xudqn12 x3x7a5m x6prxxf xvq8zen xo1l8bm xzsf02u x1yc453h" dir="auto"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgoiCHcZ5Eb-Imzmjdks3ePp90OeBrpYaZM06XGgSk80L2c9kMfrsIzDu4azvf4P8vtOA8bYCDI7vOpjEJVdZ4W0J6n47TGdpE5-8rLJj5fwSp6do0qYjpV400W-FYWAvL2Q4XKRZkk95j8dSdGUvSYUD-Vp7SAUU15ejQ6t82kbtzsAhKiPAgZJkMcSQ/s843/granada_tremenda_presentacion.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="843" data-original-width="843" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgoiCHcZ5Eb-Imzmjdks3ePp90OeBrpYaZM06XGgSk80L2c9kMfrsIzDu4azvf4P8vtOA8bYCDI7vOpjEJVdZ4W0J6n47TGdpE5-8rLJj5fwSp6do0qYjpV400W-FYWAvL2Q4XKRZkk95j8dSdGUvSYUD-Vp7SAUU15ejQ6t82kbtzsAhKiPAgZJkMcSQ/s320/granada_tremenda_presentacion.jpg" width="320" /></a></div><p></p>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4112433452555606996.post-56135203271287166282023-05-31T01:04:00.003-07:002023-05-31T01:05:38.484-07:00PRESENTACIÓN DE «SPACESHIP BLUES BAND» EN MADRID<p style="text-align: justify;">... este jueves 1 de junio, a las 19.00 h, estaremos presentando en <b>Madrid</b> mi última novela, <i><b>Spaceship Blues Band</b></i>, publicada por la editorial <a href="https://editorialpezdeplata.com/" target="_blank"><b>Pez de plata</b></a>. Nos acompañará el escritor y periodista Julio Valdeón y será en la librería Antonio Machado, en la calle Marqués de Casa Riera, 2, junto al Círculo de Bellas Artes (cerca del metro Banco de España). Estáis invitad@s...</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxn4b-Hn3xPo_0uE_N38Ym9Hr0dpz3CgubJ011cOdWad6dEr9_L3Blkon0jOTx11KLcB17RCScmUYtqdkNzReZ1nN-GXVrRR_hwzch3W9iBRE2BKNOADCAMPB7eBN_IrtVCPI6cYImPbF_m86nYTKGdYVHivqm8Mb3RC2egmhWJR7G6RylB4TPXXxA0Q/s1600/presentacionMadrid.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1600" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxn4b-Hn3xPo_0uE_N38Ym9Hr0dpz3CgubJ011cOdWad6dEr9_L3Blkon0jOTx11KLcB17RCScmUYtqdkNzReZ1nN-GXVrRR_hwzch3W9iBRE2BKNOADCAMPB7eBN_IrtVCPI6cYImPbF_m86nYTKGdYVHivqm8Mb3RC2egmhWJR7G6RylB4TPXXxA0Q/w400-h400/presentacionMadrid.jpg" width="400" /></a></div><br /><p style="text-align: justify;"><br /></p>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4112433452555606996.post-50274254677712336142023-05-05T02:03:00.001-07:002023-05-05T02:03:12.894-07:00«SPACESHIP BLUES BAND» (2023) - JAVIER SERRANO SÁNCHEZ<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYEKUOicB4KuNlx0lyD5fFcvKymqYs5GeZgp3o1jCjH3C1JYcj2BooZOwp-XnUE76G0eRECw4QEnwcfC48eiWGkm6HfqzFhKYo4SyW5pgCuAf8XQrqWrp5Ix2NE9AERmVTJb3PQXXDtWr1EFLe4U9flIIYSzhmVoMAJAMydIEdrdCw6umiLISwqhssDQ/s2481/PORTADA_SPACESHIP%20BLUES%20BAND_Javier%20Serrano%20Sanchez_300ppp.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2481" data-original-width="1655" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYEKUOicB4KuNlx0lyD5fFcvKymqYs5GeZgp3o1jCjH3C1JYcj2BooZOwp-XnUE76G0eRECw4QEnwcfC48eiWGkm6HfqzFhKYo4SyW5pgCuAf8XQrqWrp5Ix2NE9AERmVTJb3PQXXDtWr1EFLe4U9flIIYSzhmVoMAJAMydIEdrdCw6umiLISwqhssDQ/w426-h640/PORTADA_SPACESHIP%20BLUES%20BAND_Javier%20Serrano%20Sanchez_300ppp.jpg" width="426" /></a></div><br /> ... «Spaceship Blues Band» ya está disponible en la web de la editorial <a href="https://editorialpezdeplata.com/coleccion-narrativa-pez-de-plata/98-spaceship-blues-band-9788412508383.html" target="_blank"><b>Pez de Plata</b></a>. Y en librerías a partir del 22/05/2023...<p></p>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4112433452555606996.post-21378757560896921432023-04-16T08:11:00.005-07:002023-04-16T08:25:56.874-07:00«SPARTA» (2022) - ULRICH SEIDL<div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0_o7SWxos58gLHgsfcMvi6nLvjg9MPbXtq_-APOZWmCzuU-j77oEvXfZ1mELEoMFRJI5l_Y1xg9IsXZ2S_uady7oXkYN55w-K-8Hw8y6XVoec6viAgc-35kAM2nyf_aayBSbrDvy3v33dWuEq0EgeLT847gFzVLqg1ak0knsKAUUd8Wva164NVgEgtw/s1200/sparta-281105812-large.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="848" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0_o7SWxos58gLHgsfcMvi6nLvjg9MPbXtq_-APOZWmCzuU-j77oEvXfZ1mELEoMFRJI5l_Y1xg9IsXZ2S_uady7oXkYN55w-K-8Hw8y6XVoec6viAgc-35kAM2nyf_aayBSbrDvy3v33dWuEq0EgeLT847gFzVLqg1ak0knsKAUUd8Wva164NVgEgtw/s320/sparta-281105812-large.jpg" width="226" /></a></div> ... <i>Sparta</i> forma parte, junto a <a href="http://uninstantedecaos.blogspot.com/2023/03/blog-post.html" target="_blank"><i><b>Rimini</b></i></a>, de lo que debería haber sido una trilogía (como ya ocurriera con su anterior tríptico llamado <i><b>Paraíso</b>: <b><a href="http://uninstantedecaos.blogspot.com/2019/01/paradies-liebe-paraiso-amor.html" target="_blank">Amor</a>-<a href="http://uninstantedecaos.blogspot.com/2019/01/paradies-glaube-paraiso-fe-ulrich-seidl.html" target="_blank">Fe</a>-<a href="http://uninstantedecaos.blogspot.com/2019/01/paradies-hoffnung-paraiso-esperanza.html" target="_blank">Esperanza</a></b></i>). Esta otra trilogía no llegó a consumarse por la muerte de uno de sus actores principales, Hans-Michael Rehberg, que hace el papel de padre de los protagonistas de ambas cintas, un hombre con demencia senil que vive en una residencia de ancianos y del que se insinúa un oscuro pasado nazi.<br />En esta ocasión, Ulrich Seidl nos presenta a Ewald (Georg Friedrich), un austriaco que vive en Rumanía y que siente una especial atracción por los niños. Juega con ellos, como si fuera uno más, pero su cabeza estalla cuando se despierta un deseo sexual turbio que a duras penas logra reprimir. Es entonces cuando da marcha atrás y se retira, a sabiendas de que todo volverá a ocurrir, pues esa es su condición. Ese el motor de la película, que la impulsa hacia delante y que atrapa al espectador, que siente una curiosidad malsana por comprobar si finalmente la presa caerá abatida o no. <br />Seidl nos presenta un tema tan peliagudo como es la pederastia y lo hace de una manera inteligente, sin caer en lo morboso o en lo excesivamente explícito, haciendo que el espectador pueda sentir todo el dolor que siente Ewald, una mente enferma pero al mismo tiempo decidida a llevar a cabo sus planes. No sabemos si en el pasado tuvo ya alguna relación con algún crío, o tal vez él mismo sufrió abusos cuando era pequeño y ahora repite el mismo patrón.<br />Ewald rompe con su novia, abandona su trabajo y se marcha de la ciudad en que vive en Rumanía, en busca de un lugar donde montar una escuela de judo para niños. Ayudado por algunos críos del pueblo consigue rehabilitar una vieja escuela y crear una suerte de fortaleza, lejos de miradas indiscretas, donde los niños puedan jugar y aprender artes marciales mientras él les hace fotos, y al mismo tiempo forjarles un carácter fuerte, hacer de ellos "buenos soldados", como lo eran los soldados espartanos de la antigua Grecia (no en vano la escuela de judo recibe precisamente ese nombre, Sparta). Pretende también alejarlos de un ambiente familiar marcado por la violencia y el alcoholismo. <br />Ewald siente una especial atracción por Octavian, un niño tímido y sensible que guarda cierto parecido con el Tadzio de la película <i>Muerte en Venecia</i> de <b>Visconti</b>. La película da un giro cuando los vecinos del pueblo, y en especial el violento padre de Octavian, empiezan a intuir que algo raro puede estar ocurriendo. <br />Tanto aquí como en <i>Rimini</i>, ambas películas de ficción, se percibe un tono cercano al documental, género que conforma el grueso de la filmografía del director austriaco, ayudado también por una mezcla de actores profesionales y no profesionales.<br />La <b>Rumanía</b> que nos muestra Seidl es el paisaje más acorde a lo que pueda ser la mente del protagonista: un escenario decadente, sucio, pobre, feo... Adjetivos estos que suelen ser bastante habituales en el cine de Seidl, acostumbrado a poner el dedo en la llaga del espectador occidental, a mostrarle aquello que el cine <i>mainstream</i> se empeña en no enseñar o cuando lo hace le añade un final feliz o más o menos tolerable. Seidl parece sentirse cómodo, igual que su compatriota <b>Michael Haneke</b>, en sacudir al espectador, en mostrarle todo lo desagradable, turbio y contradictorio que hay en la cultura occidental, en unos países que se han forjado una imagen amable a fuerza de ocultar su lado oscuro, y todo ello con el objetivo último de hacerle reflexionar.<br />El guión de Sparta se construyó a partir de una historia real, la del alemán <b>Markus Roth</b>, un pedófilo que enseñaba judo en las áreas más deprimidas de Rumanía y que al mismo tiempo vendía fotos y vídeos de niños duchándose y jugando.<br />Como era previsible, <i>Sparta</i> ha estado acompañada de polémicas. El Festival Internacional de Cine de Toronto retiró la película a raíz de una noticia publicada por <i>Der Spiegel</i> en la que acusaba al cineasta de haber ocultado el argumento a sus jóvenes actores y a sus familias. Más cerca de nosotros, Seidl canceló su viaje a San Sebastián para presentar la cinta en el festival de cine...<br /></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4112433452555606996.post-45744034231132833292023-04-08T04:30:00.006-07:002023-04-08T05:19:09.657-07:00«KOSHIKEI (MUERTE POR AHORCAMIENTO)» (1968) - NAGISA OSHIMA<div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhestFwHs-R9-WYwlzMn0NogQvIZJuUV_Ft1goNPlpMMfqGJudlQpuvkH7EH1nmSkQZokm7PVzlYSJWZCokkYHes0yiLmDydhU6FbBv252LQMpJmLBRRr4yOajzh9fvnQjreLkK2sN2F4t-hMSMOfEUbyY4mXz4c4c2u9rfd5QKADUQeWiINToVj3Kpeg/s500/El_ahorcamiento-189675108-large.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="323" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhestFwHs-R9-WYwlzMn0NogQvIZJuUV_Ft1goNPlpMMfqGJudlQpuvkH7EH1nmSkQZokm7PVzlYSJWZCokkYHes0yiLmDydhU6FbBv252LQMpJmLBRRr4yOajzh9fvnQjreLkK2sN2F4t-hMSMOfEUbyY4mXz4c4c2u9rfd5QKADUQeWiINToVj3Kpeg/s320/El_ahorcamiento-189675108-large.jpg" width="207" /></a></div>... una voz en <i>off</i> interpela al espectador al principio de la película: ¿estás a favor o en contra de la abolición de la pena de muerte? Según un sondeo de la época (1942), el 71% de la población japonesa está en contra de abolirla, el 16% la apoya y el 13% está indeciso. "¿Habéis visto alguna vez una sala de ejecución? ¿Habéis visto alguna vez una ejecución?".</div><div style="text-align: justify;">Una toma aérea nos sitúa en el lugar donde transcurre la película: una prisión que tiene una sala de ejecución en un rincón apartado, lejos del edificio central y lejos de las miradas de los curiosos, como si fuera una casa normal, pintada de color crema y donde incluso a veces se pueden ver cerezos en flor y azaleas. La cámara entra ahora en esa sala de ejecución. Parece el interior de un piso. La voz en <i>off </i>nos describe los detalles: paredes de color salmón, sala de espera, una capilla, un altar budista que puede ser usado como altar cristiano... Salvo una celda que no se utiliza, nada hace sospechar el oscuro fin al que está destinado el edificio. <br />La voz nos presenta ahora a los protagonistas de la película: funcionarios de la prisión, un fiscal público, un párroco, un médico, verdugos... y un reo. Todos hombres. </div><div style="text-align: justify;">Hecha la presentación del lugar y de los personajes solo resta proceder: ejecutar al reo. El reo es un coreano llamado R y será una muerte por ahorcamiento. Se pulsa un botón, una trampilla se abre bajo los pies del presidiario y este queda colgando ante la atenta y morbosa mirada de los funcionarios. Por alguna misteriosa razón R no muere, su corazón sigue latiendo. ¿Qué hacer con él? En el metódico proceder de los funcionarios nunca se ha presentado un caso igual. Por si fuera poco, no se puede razonar con R: ha perdido la memoria. El equipo de funcionarios toma la decisión de hacerle recordar algunos momentos de su vida que explican cómo se llegó a su condena. Un funcionario va leyendo la sentencia y sus compañeros se dedican a hacer una suerte de obra de teatro bastante ridícula donde se recrean hechos de la vida de R, especialmente aquellos más truculentos, los que describen cómo ejecutó y violó a dos mujeres japonesas. Nos remontamos a la infancia humilde de R en Corea, un país que sufrió la invasión y humillación por parte de Japón. Aparte de la legitimidad o no de la pena de muerte, la otra línea argumental de la película es precisamente esta: la ocupación de Corea por parte de su vecino nipón y el desprecio de los japoneses a los coreanos. Dicha ocupación conllevó muchos muertos, ¿no convierte eso a los japoneses en asesinos similares a R? ¿Qué justicia pueden estar entonces ejecutando esos verdugos? Dicen representar al Estado, a la nación, conceptos que no dejan de ser abstracciones que pueden llegar a justificar los peores crímenes. ¿Tiene ese Estado alguna legitimidad para matar a un hombre?<br />Las penurias padecidas por R podrían explicar su comportamiento posterior, el resentimiento contra los invasores, aunque tal vez la causa última sea una oscura e incestuosa relación con su hermana. ¿Quién puede saberlo? ¿Acaso Dios? Y si Dios existe, ¿por qué permite tanto dolor?<br />Si R recupera la memoria, ¿qué se ha de hacer con él? ¿Volverlo a ejecutar? ¿Es posible la redención de R? Es cierto que físicamente sigue siendo la misma persona, el mismo cuerpo, pero el alma es cosa distinta. ¿Se puede redimir el alma? ¿Es posible la redención del pueblo japonés después de todo el daño que infligió a Corea y a los países del imperio colonial que construyó?<br />Pese a lo dramático del asunto y la seriedad de la muerte y la pena de muerte, esta cinta rodada en blanco y negro ─un evidente alegato en contra de la pena capital─ está tratada en clave de comedia...</div><div style="text-align: justify;"> </div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJs_yNywY640hBqzW8Wx2jvV5NbsdH7m8EHbbcRL_s79DvLvpMP9mwbpcWYG5ZapaCgyoJmKxLA9LlYe9gAvlIDEmwIQCzryCwCwwrW85ib49JJ0mnkNkJ1HfPw6M1XKpQtmpQqQ5U9JCetcBbe_awq2LIUDAPTZXAH9pDXfgI_ktVnVurN0aUKKZOTg/s1600/deathByHanging.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJs_yNywY640hBqzW8Wx2jvV5NbsdH7m8EHbbcRL_s79DvLvpMP9mwbpcWYG5ZapaCgyoJmKxLA9LlYe9gAvlIDEmwIQCzryCwCwwrW85ib49JJ0mnkNkJ1HfPw6M1XKpQtmpQqQ5U9JCetcBbe_awq2LIUDAPTZXAH9pDXfgI_ktVnVurN0aUKKZOTg/w640-h360/deathByHanging.jpg" width="640" /></a></div><br /> </div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4112433452555606996.post-52384465936260825242023-03-31T01:18:00.002-07:002023-03-31T01:27:47.376-07:00«SHADOW OF THE VAMPIRE» (2000) - E. ELIAS MERHIGE <div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2RsytwkJH1sz48NEPIAYXHs2P_W34P660kaKltzZhSKTH2cZJJksGaCEemwYnOOLv9zYE4FAQl-uhn87JAUY5Zfr9sGCklRiN5S4WiAYW38tdRg2uyiSVfjPhc9hEaGqKT7jiDdYuUjira9X3eBUUAZkUXOyBUgN-zegVv8S-jU2eexsHeo7wrA_iiQ/s648/shadow_of_the_vampire-916323331-large.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="648" data-original-width="434" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2RsytwkJH1sz48NEPIAYXHs2P_W34P660kaKltzZhSKTH2cZJJksGaCEemwYnOOLv9zYE4FAQl-uhn87JAUY5Zfr9sGCklRiN5S4WiAYW38tdRg2uyiSVfjPhc9hEaGqKT7jiDdYuUjira9X3eBUUAZkUXOyBUgN-zegVv8S-jU2eexsHeo7wrA_iiQ/s320/shadow_of_the_vampire-916323331-large.jpg" width="214" /></a></div> ... interesante esta película que recrea en clave de comedia negra, un género no siempre bien entendido por el público y la crítica, cómo pudo ser el accidentado rodaje de la magnífica obra <i>Nosferatu</i> (1922), de <b>F.W.Murnau</b>, basada en la novela <i>Drácula</i> de <b>Bram Stoker</b>. Como el director no se pudo hacer con los derechos de la novela, decidió cambiarle el nombre pero la historia es la misma. <i>Shadow of the vampire</i> es cine dentro del cine, con <b>John Malkovich</b> haciendo de Murnau y <b>Willem Dafoe</b> en el papel de <b>Max Schreck</b> (el <b>conde Orlok</b>), que interpreta al vampiro de la película. La gracia de la cinta está en la licencia que se permite Merhige, su director, para que Max Schreck, un actor extravagante, de aspecto terrorífico y comportamiento casi animal, aparezca como un vampiro real, una criatura que solo quiere rodar de noche, se niega a viajar en barco, duerme en un ataúd y se alimenta de sangre y animales muertos. Para complicar más el asunto y con ello el rodaje, Schreck se enamora de la protagonista femenina, Greta Schroder (Catherine McCormack). Murnau no duda en ofrecérsela como premio al vampiro si consigue terminar el rodaje sin atacar al resto del elenco y del equipo técnico.</div><div style="text-align: justify;">Se podría decir que esta cinta de cine mudo y rodada en blanco y negro llamada <i>Nosferatu</i> fue una película maldita: cuando terminó su rodaje la viuda de Stoker demandó con éxito a la productora por violar los derechos de autor. Un juez ordenó destruir todas las copias de esta obra maestra del terror, aunque por fortuna sobrevivieron algunas y <i>Nosferatu</i> acabó convirtiéndose en una obra de culto.</div><div style="text-align: justify;">Décadas después del rodaje de Murnau, Werner Herzog hizo un <i>remake</i> de la misma, de impecable factura, con Klaus Kinski haciendo de vampiro, acompañado por Isabelle Adjani, Bruno Ganz y Roland Topor, y con una inquietante e hipnótica banda sonora a cargo de la banda alemana <b>Popol Vuh</b>. Por si fuera poco, está previsto que en 2024 llegue una nueva versión de <i>Nosferatu</i>, esta vez dirigida por Robert Eggers...</div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4112433452555606996.post-87480037411640664472023-03-10T04:08:00.004-08:002023-03-10T04:08:26.017-08:00«R100» - HITOSHI MATSUMOTO (2013)<div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCUPzj3_yuVwBD_9QvmzbH5wlduBgNZXR6NZntdFVu-kaZgFuUmx-j0Kejh3raLzXhJA7uwkNmHz2R6QOfkTCOuzrhtmc7V6U_eQI3dEs180S_qNjhAS9ynfhmg98BjeI6PblD19fNHjb4jyG1u6wGmV9tCCNUOj33yczJhaHbKsp9jaCbEpaBF9FGWg/s877/r100-199708793-large.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="877" data-original-width="620" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCUPzj3_yuVwBD_9QvmzbH5wlduBgNZXR6NZntdFVu-kaZgFuUmx-j0Kejh3raLzXhJA7uwkNmHz2R6QOfkTCOuzrhtmc7V6U_eQI3dEs180S_qNjhAS9ynfhmg98BjeI6PblD19fNHjb4jyG1u6wGmV9tCCNUOj33yczJhaHbKsp9jaCbEpaBF9FGWg/s320/r100-199708793-large.jpg" width="226" /></a></div>... comedia delirante y absurda en la que un gris vendedor de muebles, Takafumi (interpretado por <b>Nao Ômori</b>), aficionado al <b>sadomasoquismo</b>, firma un contrato con <b>Bondage</b>, un selecto club dedicado a los servicios del placer por la vía del dolor. La duración del contrato es de un año, sin posibilidad, bajo ninguna circunstancia, de cancelación. A partir de ese momento la vida de Takafumi cambia por completo, alejándose de su oscura realidad, con una esposa que yace en un hospital en estado vegetativo y un trabajo alienante. Sus encuentros inesperados con las <i>queens</i>, dominatrices de figura estilizada, enfundadas en cuero y botas altas, las palizas que le pegan en cualquier lugar de la ciudad, la humillación que ha de padecer... todo eso le reporta gratos momentos de placer, tal y como puede observarse en la manera en que su cara se hincha como la cabeza de un pez-globo. Esta trama es a su vez el guión de otra trama: la de unos ojeadores de una productora de cine que han de decidir sobre una película, R100, que describe las absurdas peripecias de un aficionado al sadomasoquismo y cuyo director asegura que es necesario haber llegado a los 100 años para entenderla.</div><div style="text-align: justify;">La relación del protagonista con Bondage se va complicando y la película se va tornando cada vez más absurda, transformándose en una suerte de parodia de las películas de acción, con persecuciones, tiroteos, asesinatos, bombas... y todo ello sin que lo que ocurre venga demasiado a cuento, una total ida de olla, divertida por lo sinsentido que es y donde todo es posible. Encerrado en su casa, Takafumi tendrá que enfrentarse a todo un ejército de dóminas que rodea su domicilio. La cruenta batalla culminará con un combate final con la CEO de Bondage, una hembra gigantesca, rubia y poderosa (interpretada por <b>Lindsay Kay Hayward</b>).<br />La película está rodada con un estilo muy personal. Cuenta con una fotografía de tonos marrones, casi de blanco y negro, y unos efectos especiales tirando a cutres pero divertidos, en los que aparecen extrañas criaturas...</div><div style="text-align: justify;"> </div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpW9kn2od5IjAv145e8yosrvQxHjZei-WfJG_cjBkRltk1S6ANwFZov_tnQjMGNo-qjoaV8CwuOrgF-lKP75O4DTDYJd-TuS2OVmXpIk-yJeM_5OvD6nTmjh95NBiNZcwu_pAq7TGn4tlX0YJAPrhV2SDRyA9fEEroMD30-UXVsr97MmPIvmKpaMMQEA/s935/r100.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="662" data-original-width="935" height="454" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpW9kn2od5IjAv145e8yosrvQxHjZei-WfJG_cjBkRltk1S6ANwFZov_tnQjMGNo-qjoaV8CwuOrgF-lKP75O4DTDYJd-TuS2OVmXpIk-yJeM_5OvD6nTmjh95NBiNZcwu_pAq7TGn4tlX0YJAPrhV2SDRyA9fEEroMD30-UXVsr97MmPIvmKpaMMQEA/w640-h454/r100.jpg" width="640" /></a></div></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4112433452555606996.post-22550650976487699232023-03-05T04:24:00.004-08:002023-03-05T04:48:37.806-08:00«RIMINI» - ULRICH SEIDL (2022)<div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjnyxto-UgoTP0DqI5XOu4V0ZVpCK-dK73DqDpmFFyZRJ3xkB1dMD5P_Aahb33yP-3zZx-wX1CkFcUw7w0zdH2jk6nuoY-qDkQtbjRagf6Nsb4l4RAAg_--S0DDzewmG5zC8VnRfJsYHt23LoeYIDJ9RrGgPn2epI9GPFh8tyV6QTqHHbB9KAxgZr-nwg/s800/rimini-777101204-large.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="567" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjnyxto-UgoTP0DqI5XOu4V0ZVpCK-dK73DqDpmFFyZRJ3xkB1dMD5P_Aahb33yP-3zZx-wX1CkFcUw7w0zdH2jk6nuoY-qDkQtbjRagf6Nsb4l4RAAg_--S0DDzewmG5zC8VnRfJsYHt23LoeYIDJ9RrGgPn2epI9GPFh8tyV6QTqHHbB9KAxgZr-nwg/s320/rimini-777101204-large.jpg" width="227" /></a></div>... Richie Bravo (interpretado por un magnífico <b>Michael Thomas</b>, un habitual del director <b>Ulrich Seidl</b>) es un cantante decadente que va por los hoteles de la turística ciudad de <b>Rimini </b>(lugar de nacimiento de Federico <b>Fellini</b>), en la costa adriática de <b>Italia</b>, amenizando las noches de los turistas de fuera de temporada. Estamos en una Rimini invernal, llena de bruma, incluso nieve, con hoteles fantasmales y parques acuáticos cerrados, con inmigrantes tirados por sus calles.</div><div style="text-align: justify;">Un bronceado y fuerte Richie Bravo canta canciones de amor en algún salón de algún hotel, acompañado por la música procedente de un reproductor de CDs, iluminado por estridentes luces de néon, embutido en una vestimenta hortera y con el pelo largo. Con su voz y su juego de seducción camela a mujeres jubiladas, carentes de afecto, les come la oreja hablando de amor y de la posibilidad de volver a sentirlo, y después, si puede, se las tira, y ellas no dudan en recompensarlo generosamente por el buen rato que les ha hecho pasar. <br />Richie Bravo es un solitario, también un buscavidas de temporada baja. Su único consuelo es el alcohol y las máquina de juego. Así es su vida. Vive de un talento cuestionable y vive también de las mujeres, gracias a algo parecido al "amor", sin ser él mismo capaz de amar, como iremos descubriendo a medida que avanza la película y aparece un nuevo personaje en escena, Tessa (<span style="vertical-align: inherit;"><b>Tessa Göttlicher</b>)</span>, una hija de la que ni se acordaba, y que le hará enfrentarse a su pasado. No solo eso: Tessa, acompañada de su inseparable novio musulmán, le exige una compensación económica a cambio de olvidar todo el daño que le hizo a su madre y el poco cariño que dio a ella como hija.<br />Como se puede ver, Richie Bravo, con sus botas de vaquero y su abrigo de piel de foca, es un personaje de lo más lamentable y sin embargo el espectador llega a sentir algo parecido a la empatía, o dejémoslo en simplemente simpatía, por él.<br />En esta ocasión, Ulrich Seidl abandona el formato del documental que tan buenos resultados le dio con películas como las de su trilogía <i>Paraíso</i>: <i><a href="http://uninstantedecaos.blogspot.com/2019/01/paradies-glaube-paraiso-fe-ulrich-seidl.html" target="_blank">Fe</a>, <a href="http://uninstantedecaos.blogspot.com/2019/01/paradies-liebe-paraiso-amor.html" target="_blank">Amor</a></i> y <i><a href="http://uninstantedecaos.blogspot.com/2019/01/paradies-hoffnung-paraiso-esperanza.html" target="_blank">Esperanza</a></i>, o <i><a href="http://uninstantedecaos.blogspot.com/2019/01/im-keller-en-el-sotano-ulrich-seidl.html" target="_blank">En el sótano</a>, Safari</i>, y se pasa a la ficción...</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6RvUEogQO2VFev0G8r75Fv2sxczkCCGtFovuZ9g7QxKYKpCRg2dMZlC8-1-3NwyAQr5WjICOimNc7-Q_S-uP5cgnD_cyrkqh-vrDLygfEejdtrxQ0zlIKqn-VEo2WAPwsxcmOpf3FbTtoYrb_m1Fn3Cd85Jhsm3wKu4_ny3rJ6bcvLIPoGFL067HhNA/s1668/rimini-2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="902" data-original-width="1668" height="346" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6RvUEogQO2VFev0G8r75Fv2sxczkCCGtFovuZ9g7QxKYKpCRg2dMZlC8-1-3NwyAQr5WjICOimNc7-Q_S-uP5cgnD_cyrkqh-vrDLygfEejdtrxQ0zlIKqn-VEo2WAPwsxcmOpf3FbTtoYrb_m1Fn3Cd85Jhsm3wKu4_ny3rJ6bcvLIPoGFL067HhNA/w640-h346/rimini-2.jpg" width="640" /></a></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4112433452555606996.post-72691359855020568802023-01-23T01:42:00.008-08:002023-01-23T03:50:56.551-08:00«WANDA» (1970) - BARBARA LODEN<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvoquU85ShmDV4awjCEDL8SFabkbW7e1xXcsE_IFJi5KuUtUJBqU8UmW12JOnz1J5sMDPVFBeRM9qgal-w3aueTQbBc5zfa4ErPM-Ap9078q5yGhnImvX1Moa5c21VdsFkzqD99zaNPa29u6Lt71oaWIuFk7UsSR8yLPg1vubajTALUtlOgR7iMq6Hfg/s2000/barbaraloden.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="2000" data-original-width="1655" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvoquU85ShmDV4awjCEDL8SFabkbW7e1xXcsE_IFJi5KuUtUJBqU8UmW12JOnz1J5sMDPVFBeRM9qgal-w3aueTQbBc5zfa4ErPM-Ap9078q5yGhnImvX1Moa5c21VdsFkzqD99zaNPa29u6Lt71oaWIuFk7UsSR8yLPg1vubajTALUtlOgR7iMq6Hfg/s320/barbaraloden.jpg" width="265" /></a></div><div style="text-align: justify;"> ... <i>Wanda</i>, interpretada y dirigida por <b>Barbara Loden</b>, es la historia de una mujer solitaria en un mundo controlado por hombres. Ambientada en la zona obrera de los suburbios de Pennsylvania, en medio de un sucio e inhóspito paraje de minas de carbón, Wanda Goronski es una mujer fracasada como madre, esposa y empleada de fábrica, incapaz de ser todo aquello que la sociedad espera de ella. Harta de su vida, se lanza a vagabundear por el mundo, arrastrada como un canto rodado de acá para allá, parando en cafeterías, centros comerciales, puestos de comida rápida, moteles, cines, bebiendo alcohol, fumando y comiendo comida basura, acostándose con hombres para tener un lugar donde dormir y siendo despreciada luego por estos. <br />Tras algunos encuentros esporádicos con hombres que terminan abandonándola, Wanda encuentra cierta estabilidad al lado de Mister Dennis (<b>Michael Higgins</b>), un delincuente de poca monta que sueña con atracar un banco. A pesar de que la maltrata y la obliga a vestirse y peinarse como a él le gusta, Wanda se presta a todo lo que Mister Dennis le pide, incluyendo su connivencia en el golpe que está preparando. A partir de aquí la película adquiere ciertos tintes de <i>thriller </i>y abandona su monotonía inicial. <br />Entre tanta desolación existencialista, <i>Wanda</i> no está exenta de humor, de hecho la pareja protagonista resulta bastante ridícula y torpe en su preparación del golpe, que incluye un cojín bajo el vestido de Wanda para simular que está embarazada y un pormenorizado guión escrito de los pasos que han de seguir en el atraco para que sea perfecto (y que Wanda es incapaz de memorizar).<br />La historia que cuenta Barbara Loden está basada en hechos reales, más concretamente en un personaje real llamado <b>Alma Malone</b> que apareció en un artículo del periódico <i>Sunday Daily News</i> el 27 de marzo de 1960 llamado "The Go -for-Broke Bank Robber". Era una historia sobre un atraco perpetrado por una pareja y que acabó mal, con la muerte del hombre y el encierro en prisión de la mujer, que terminaría agradeciendo al juez por la larga condena que le fue impuesta.<br />Amante y luego esposa de <b>Elia Kazan</b>, Barbara Loden fue una actriz que tuvo cierto éxito: con la obra de teatro "After the Fall", de <b>Arthur Miller</b>, consiguió un premio Tony haciendo un papel inspirado en Marilyn Monroe. Sin embargo <i>Wanda</i>, la única película de Barbara Loden como directora, rodada <span style="vertical-align: inherit;">en 16 milímetros </span>(ampliada después a 35 mm), con un presupuesto bajísimo de <span style="vertical-align: inherit;">115.000 dólares</span> y con un equipo humano mínimo, pasó bastante desapercibida en su época, salvo algún premio en el Festival de Venecia, incomprendida por el público en general e incluso denostada por ciertos sectores feministas... </div><div style="text-align: justify;"> </div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiq8rUZSsdy2IvwpI9xH8KuxJkeu25GfZ66VWgCBjU_EKOAVq2NRT2FRt-1eLo-9sdqNAajYSze_Wp1_Rjz24z7lLSeiJ2RGEBT2juCVNjCTio4b_DZ9zg1qhK2OryU6s1LHiqXdfQPPIRxgz1YaY9moifXcx-gh_9SWm7fIhS_OFMR-7HX91OxnsG8Iw/s1200/wanda-721389532-large.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="816" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiq8rUZSsdy2IvwpI9xH8KuxJkeu25GfZ66VWgCBjU_EKOAVq2NRT2FRt-1eLo-9sdqNAajYSze_Wp1_Rjz24z7lLSeiJ2RGEBT2juCVNjCTio4b_DZ9zg1qhK2OryU6s1LHiqXdfQPPIRxgz1YaY9moifXcx-gh_9SWm7fIhS_OFMR-7HX91OxnsG8Iw/s320/wanda-721389532-large.jpg" width="218" /></a></div><br /><br /><br /><br /><br /></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4112433452555606996.post-2159375935133597452022-12-05T01:44:00.003-08:002023-11-15T15:37:13.309-08:00«TORE TANZT (NOTHING BAD CAN HAPPEN)» (2013) - KATRIN GEBBE<div class="separator"><div style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em; text-align: justify;"><img class="cboxPhoto" height="579" src="https://pics.filmaffinity.com/tore_tanzt_nothing_bad_can_happen-169239569-large.jpg" style="cursor: pointer; float: none; height: 579px; width: 391px;" width="391" /> <br /></div></div><div style="text-align: justify;"> ... Tore es un joven que vive con un grupo de punks en una casa okupada en Hamburgo. Este grupo de jóvenes se hace llamar <b>Jesus Freaks</b> y son unos devotos de Jesucristo. Cierto día Tore (interpretado de manera magnífica por un creíble <b>Julius Feldmeier</b>) <span class="nb" itemprop="actor" itemscope="" itemtype="http://schema.org/Person"><a href="https://www.filmaffinity.com/es/search.php?stype=cast&sn&stext=Julius%20Feldmeier" itemprop="url" title="Julius Feldmeier"><span itemprop="name"></span></a> </span>ayuda a reparar de manera «milagrosa» la furgoneta de una familia, en la que el padre, Benno, le devolverá el favor días después abriéndole las puertas de su casa y acogiéndolo en su familia. La historia no nos revela en ningún momento detalles de la vida de Tore, es un joven sin pasado, poco sabemos de él, salvo que es un ser muy puro, quizás demasiado para la sociedad y los tiempos que le han tocado vivir, ingenuo y optimista. De vez en cuando sufre ataques epilépticos, es aficionado a la papiroflexia y por encima de todo es un fanático de la religión cristiana; se debe a Jesucristo, con el que cree estar en contacto directo y al que reza durante las comidas y por las noches. Poco a poco, Tore irá descubriendo que su nueva familia está lejos de lo que se supone que debe ser una familia. Benno, el padre, es un tirano, celoso, abusador, que ejerce su violencia sobre los que le rodean, incluido Tore, que cree que todo lo que le está pasando es una prueba a la que le está sometiendo su dios y que pase lo que pase («Nada malo puede pasar» cuando tienes a Dios de tu lado), ha de resistir y tener esperanza. Astrid, la esposa de Benno, y el hijo pequeño, Dennis, tampoco escapan a esa atmósfera de violencia que se respira en la casa, inexorable como una ley física que podría enunciarse como «la violencia genera violencia y siempre irá <i>in crescendo</i>», y también ejercen en mayor o menor medida maltrato sobre Tore. Se diría que el ser humano alberga un instinto violento del que no puede substraerse y que le empuja a ejercer esa violencia sobre otros seres más débiles. O quizás es la sociedad, competitiva y violenta, en la que vivimos la que nos empuja a ser así y se trata más bien de agredir o ser agredido y esa es la única elección posible. Solo Sanny, la hija mayor, parece ser diferente a los demás miembros, de hecho guarda una relación con ellos más bien distante. Pronto se siente atraída por Tore, con el que establece una suerte de relación muy casta, una mezcla de amor y compasión. Al joven Tore, por su parte, no parece importarle convertirse en una especie de moderno mártir con tal de conseguir lo que busca. ¿Y qué es lo que busca? ¿Tal vez el amor de Sanny? ¿Sentirse integrado dentro de una familia y ser querido por ella, aunque se trate de una familia desestructurada como la que le ha tocada en suerte? ¿Tal vez cree que con la ayuda de Dios («Teach me Lord» reza el tatuaje que Tore tiene en su espalda) puede contribuir a cambiar el mundo o hacer, al menos, que una pequeña parte de ese mundo decadente, pongamos una familia o un miembro de esa familia, pueda vivir mejor? ¿Qué puede hacer la religión, sea la que sea, en un mundo gobernado por el dinero, el poder y la violencia? </div><div style="text-align: justify;">La película está estructurada en tres capítulos: Fe, Amor, Esperanza; probablemente inspirada en la frase extraída de la Biblia: «Y ahora permanecen la fe, la esperanza y el amor, estos tres; pero el mayor de ellos es el amor» (Corintios 13:13). <i>Tore Tanzt</i>, la ópera prima de <b>Katrin Gebbe</b>, es una cinta violenta como también lo son otras películas que abordan temas similares y con las que se percibe cierto parecido: <i>La Naranja Mecánica</i> de <b>Stanley Kubrick</b> o dos de las películas del turbador <b>Michael Haneke</b>, <i>Funny Games</i> y <i>Benny's video</i>... La cinta está inspirada en hechos reales, en una noticia que leyó la directora y que hablaba de una pareja que había mantenido a un niño con discapacidad mental en su sótano durante meses en 2009, torturándolo hasta la muerte...<br /></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4112433452555606996.post-13815926955204512162022-11-24T02:33:00.009-08:002022-11-24T03:16:37.773-08:00«ENEMY» (2013) - DENIS VILLENEUVE<p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheBmkfyFE6wcd0cXiAdSfcOif-IcxzXqslKBBemhsWVY6-r96Q2DUavjJhjYvf8aA9K1vpGT7hKOeR7Gm9PzHwYt_47LcBhdZMXmwbkXpryQHSrCwQS40hnddHoMOY8BBB-O7Gt3GQ3_SesbpkR2c3rkpxjONYawLXeINrNre7mpa04B87IRozRc1v-Q/s720/enemy-308528332-large.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="509" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheBmkfyFE6wcd0cXiAdSfcOif-IcxzXqslKBBemhsWVY6-r96Q2DUavjJhjYvf8aA9K1vpGT7hKOeR7Gm9PzHwYt_47LcBhdZMXmwbkXpryQHSrCwQS40hnddHoMOY8BBB-O7Gt3GQ3_SesbpkR2c3rkpxjONYawLXeINrNre7mpa04B87IRozRc1v-Q/s320/enemy-308528332-large.jpg" width="226" /></a>... <i>Enemy</i> es una película de <b>Denis Villeneuve</b> basada en la novela <i>El hombre duplicado</i>, de <b>José Saramago</b>. En ella vemos la vida tediosa, aburrida y repetitiva que lleva Adam (<b>Jake Gyllenhaal</b>), un profesor universitario de Historia. En sus clases desliza mensajes críticos contra las dictaduras, el control de las masas, cómo la sociedad controla al individuo... pero el hecho cierto es que Adam es un peón más dentro de ese tablero. Vive en un apartamento cutre, centrado en su trabajo, no tiene amigos, recibe llamadas telefónicas de una madre que le abronca por vivir en semejante piso y que él no responde, no sale de casa ni tampoco de su zona de confort; sabe que su vida es anodina pero tampoco hace nada por cambiarla. Su existencia tiene ecos de <b>Kafka</b> y de <b>Pessoa</b>, es como la de esos insectos que quedan atrapados en una tela de araña, sin poder moverse, esperando a que algo, algo que adivinan funesto, acabe con esa inmovilidad. De hecho en la película se intercalan secuencias de carácter onírico en las que aparecen arañas, como esa en que una araña gigantesca (como la <i>Maman</i> de la escultora<b> Louise Bourgeois</b>) se cierne, fantasmal, sobre la ciudad de Toronto; así como planos en los que se ven cables eléctricos, por ejemplo los del tranvía, a modo de modernos hilos de telarañas, una trama que cubre toda la ciudad y que impide escapar a sus habitantes.</div><div style="text-align: justify;">El único goce que se permite Adam son los encuentros sexuales con su novia, intercambios que como no podía ser menos también se han vuelto rutinarios y casi mecánicos. Su vida empieza a cambiar el día en que un compañero de la universidad le recomienda una película. Aunque no le gusta el cine decide hacerse con esa película, por variar un poco. Y es justamente con el visionado de esa cinta, <b><i>Where There's a Will, There's a Way</i></b>, con esa acción azarosa y nada premeditada, con la que entra el caos en su vida. Adam descubre en ella a un actor que es exactamente igual a él. A partir de ese momento, su existencia deja de ser tan repetitiva y la búsqueda de ese actor, de ese otro yo, que en realidad no es más que la búsqueda de sí mismo, se convierte en una obsesión. Como reza la cita de Saramago que abre la película: "El caos es un orden por descifrar". Y eso es justamente lo que intenta hacer Adam. ¿Puede ser que tenga un hemano gemelo y que no supiera hasta ahora de su existencia? Radicalmente no, le responde su propia madre. ¿Miente su madre? ¿Puede una persona ser más personas en lugares distintos y llevando otra vida, como esas <b>Torres Absolute World</b> en <b>Mississauga</b>, que aparecen a lo largo de la película, parecidas pero no iguales sino más bien de formas complementarias? ¿Son esas otras vidas más interesantes? ¿Puede una persona convertirse en otra, suplantarla? Y si es así, ¿la nueva forma de vida es necesariamente mejor que la anterior?</div><div style="text-align: justify;">La fotografía de la película, con esos colores entre verdosos y marrones, le da un aspecto visual que encaja perfectamente con esta pesadilla: esos colores de fotografía envejecida que ha perdido todo su lustre reflejan cómo es la vida del protagonista. Otro aspecto importante es el uso de la arquitectura y del urbanismo en la película. La ciudad de Toronto, trasunto de la mente de Adam, aparece como una trampa de edificios de cemento y de líneas rectas y duras, un laberinto frío y geométrico, sin salida...</div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4112433452555606996.post-58629182218690194592022-09-04T09:38:00.001-07:002022-09-04T09:38:06.652-07:00«MY ENEMY´S ENEMY» (2007) - KEVIN MACDONALD <div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNKfk3U8sp38LQDNU5MCqXGB2x-ol-qqJdsgF0ixnNOPyAa1KQb_IyUjbsSLCZ2mibHbAvNunxm8D5vHYMtDItScZISCtkmYfh5PJIKOUDULF9MW5Ii-w3ewpqjkHVZJs6eNdx08Lciq_CH6YNtfKc4l2Ch6IBqLLUr_gX7D1M2kBRCZOiYuawz4LMEw/s435/my_enemy_s_enemy-183936841-large.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="435" data-original-width="306" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNKfk3U8sp38LQDNU5MCqXGB2x-ol-qqJdsgF0ixnNOPyAa1KQb_IyUjbsSLCZ2mibHbAvNunxm8D5vHYMtDItScZISCtkmYfh5PJIKOUDULF9MW5Ii-w3ewpqjkHVZJs6eNdx08Lciq_CH6YNtfKc4l2Ch6IBqLLUr_gX7D1M2kBRCZOiYuawz4LMEw/s320/my_enemy_s_enemy-183936841-large.jpg" width="225" /></a></div> ... documental sobre la figura del comandante de la <b>Gestapo</b> <b>Klaus Barbie</b>, apodado el <b>carnicero de Lyon, </b>al que se atribuyen horrendos crímenes, desde la captura y asesinato de 44 niños judíos en Izieu, hasta el
envío a campos de concentración de más de 7.500 personas, pasando por el arresto y
tortura de 14.000 miembros de la Resistencia, y el asesinato de 4.432 personas, incluido <b>Jean Moulin</b>, el líder de la Resistencia durante el régimen de Vichy. La cinta nos habla de su sadismo a la hora de obtener información de los prisioneros; su colaboración, como muchos otros nazis tras el final de la Segunda Guerra Mundial, con los aliados y en especial con el gobierno de Estados Unidos, dispuesto a justificar cualquier medio con tal de conseguir su objetivo, la caída de su nuevo enemigo, la URSS, y en general acabar con cualquier gobierno, institución o grupo de corte izquierdista; su huida a Bolivia a través de la "ruta de las ratas" auspiciada por El Vaticano; su estancia en el país andino con una nueva identidad de apellido judío, Altman, convertido en un honrado empresario que no duda en colaborar con los sucesivos dictadores o en golpes de estado y que sueña con crear un cuarto Reich en <b>Bolivia</b> (incluso se habla de su posible participación en la detención y asesinato del <b>Che Guevara</b>); el acoso al que fue sometido por los Klarsfeld, un matrimonio de cazanazis; y su posterior caída en desgracia con la llegada de un gobierno democrático, lo que conlleva su entrega a Francia para ser juzgado en un juicio que aparte de intentar hacer justicia también pretendía lavar la imagen de una Francia colaboracionista con el régimen nazi... </div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4112433452555606996.post-19389517917084949792022-08-03T03:42:00.001-07:002022-08-03T03:42:20.198-07:00«VORTEX» (2021) - GASPAR NOE<div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgodeoIldr7fY6y6megLiUmtZOgopmhpkR00d805EhfdxTLt7N8y3ofvI9ErGAmJo5jKU5GE0zquOswustQ1YmHRY5Q_ecSjw-237JV8EgvmKznl6BORnXjJMK1DTGSH3jAFVF3Qw7x26mLgPLQxW2N_f4uMr5w_TtSbLOLEgYBGwR5J-UPsEdlLuprTw/s1200/vortex-791681433-large.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="841" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgodeoIldr7fY6y6megLiUmtZOgopmhpkR00d805EhfdxTLt7N8y3ofvI9ErGAmJo5jKU5GE0zquOswustQ1YmHRY5Q_ecSjw-237JV8EgvmKznl6BORnXjJMK1DTGSH3jAFVF3Qw7x26mLgPLQxW2N_f4uMr5w_TtSbLOLEgYBGwR5J-UPsEdlLuprTw/s320/vortex-791681433-large.jpg" width="224" /></a></div> ... <b><i>Vortex</i></b>, la última película de <b>Gaspar Noe</b>, guarda por su temática un cierto parecido con la también notable <b><i>Amour</i></b> de <b>Michael Haneke</b>. En <i>Vortex</i> asistimos a la decadencia de una pareja de ancianos, encerrada en una casa repleta de objetos y de recuerdos, desordenada, sucia y claustrofóbica, donde la demencia senil de ella, la madre (interpretada por <b>Françoise Lebrun)</b> condiciona su existencia, atrapada y atormentada en su laberinto mental, y la de él, marido y padre (interpretado por <b>Dario Argento)</b>, que no sabe muy bien cómo afrontar la situación y escapar de ese vórtice de locura que lo arrastra, y que se aferra a su actividad intelectual y al libro que está escribiendo sobre el cine y los sueños para poner algo de cordura en su vida. La pantalla aparece partida en dos, pero no es una decisión gratuita o esteticista del director: aunque los protagonistas están en el mismo lugar y en el mismo momento, sus percepciones de la realidad son completamente distintas, la «película» de su vida en común hace tiempo que se convirtió en «dos películas», complementarias pero diferentes, así que tiene sentido que dos cámaras sigan a ambos personajes. Hay un tercer personaje, el hijo (interpretado por <b>Alex Lutz</b>), que los visita de vez en cuando pero que se ve incapaz de hacer otra cosa que no sea tender puentes temporales entre sus padres y ya de paso pedirle algo de dinero al padre.<br /><i>Vortex</i> es también un homenaje al cine. La casa está llena de pósteres de cine, de libros de cine, de películas de vídeo... Es el cine como fábrica de sueños. «Una película es un sueño dentro de un sueño» dice Dario Argento, el anciano, en un momento dado. Cine, sueño, realidad... todo se entremezcla. El cine como tabla de salvación en medio de un océano hostil y terrible, como posibilidad última de escapar a la horrible realidad que circunda a la pareja protagonista. En momentos cruciales de la película, Gaspar Noe, el director, se apoya en secuencias extraídas de otras películas para mostrar estados de ánimo de sus personajes, como en esa secuencia hermosa en que el anciano está tendido en el suelo, sufriendo un ataque al corazón, y en la televisión estamos viendo el océano misterioso que aparecía en <b><i>Solaris</i></b>, de <b>Andrei Tarkovski</b>, mientras en la otra mitad de la pantalla grande vemos a su esposa durmiendo plácidamente... </div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4112433452555606996.post-62799952870096090652022-07-17T09:40:00.009-07:002022-07-17T11:26:49.709-07:00«FUNNY GAMES» (1997) - MICHAEL HANEKE<div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: right;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcul6wIwTaqEB2lw7h45X66hZGWK6bT6vYi82mnKsFMdPJ9996uP4qH52I-CAeyzlAFNjuwmDMapGch1inoJ7K9tm9SWpGLXkip7-ETwvC9LqxgF_wppXqXXd5OT6p5Iy_Mxw4L48P1Y5F7M6YPFG2g7wJZqPC1Q5aCoxC_75cJ9S9NDfF3m2KnGGbIw/s1200/funny_games.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="842" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcul6wIwTaqEB2lw7h45X66hZGWK6bT6vYi82mnKsFMdPJ9996uP4qH52I-CAeyzlAFNjuwmDMapGch1inoJ7K9tm9SWpGLXkip7-ETwvC9LqxgF_wppXqXXd5OT6p5Iy_Mxw4L48P1Y5F7M6YPFG2g7wJZqPC1Q5aCoxC_75cJ9S9NDfF3m2KnGGbIw/s320/funny_games.jpg" width="225" /></a></div>... he vuelto a ver <i>Funny games</i>, la primera versión, la de 1997, para comprobar cómo le ha afectado el paso del tiempo. Aparte de la violencia explícita hay varias cosas que me resultan muy molestas como espectador. Al final, creo que es justamente eso lo que pretende Haneke en todas sus películas: incomodar al espectador, sacarlo de su zona de confort, hacerle pensar, provocarle dilemas morales que le empujen a hipotéticas tomas de decisión. De hecho, en esta cinta esa incomodidad es muy explícita: Peter, uno de los jóvenes intrusos, de vez en cuando se dirige a la cámara, al espectador, le guiña un ojo, le propone jugar, incluso le anima a que apueste por cuál va a ser el final de la película, algo bastante inquietante. Pero hay más elementos perturbadores. Uno es la exquisitez de modales con que se desarrolla todo, a pesar de lo violento de la situación. Incluso el primer acto de violencia se ejerce con un palo de golf convertido en refinada arma. Otro elemento es el sinsentido de toda esa violencia. «¿Por qué?», pregunta el padre. «¿Y por qué no?», le responde Peter, su agresor. Otra cosa que me incomoda mucho es que todo parece un juego, un juego tan ridículo como perverso por parte de los intrusos, un <i>funny game</i> en el que además se van improvisando las reglas. Y así es cómo sobre la música clásica y la ópera del principio de la película (<b>Mozart, Handel, Mascagni</b>) termina imponiéndose el rock metalero de <b>Naked City</b>... <br /><br /></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4112433452555606996.post-39486308490580704932022-06-18T10:11:00.004-07:002022-06-18T10:11:23.723-07:00«THE HUMANS» (2021) - STEPHEN KARAM<div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIhBLMeD-AOlfTCHsd8wapUY3rbqX-p8ywUiL4eZsY243lMzdX-DandjBJuilq6K4l5cEJPvpHnmKEUoJM6xJK5tdZ2ei21Ii8fYuweWY0Vq1UrpKKilo3xTvv5_qs2HKsiFyInPTY_7nkbQ2DPe9soqwnEheow59JRw9JbcNc1RiLsbgFQORhnuJe-g/s1200/the_humans-678517847-large.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="764" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIhBLMeD-AOlfTCHsd8wapUY3rbqX-p8ywUiL4eZsY243lMzdX-DandjBJuilq6K4l5cEJPvpHnmKEUoJM6xJK5tdZ2ei21Ii8fYuweWY0Vq1UrpKKilo3xTvv5_qs2HKsiFyInPTY_7nkbQ2DPe9soqwnEheow59JRw9JbcNc1RiLsbgFQORhnuJe-g/s320/the_humans-678517847-large.jpg" width="204" /></a></div> ... los Blake son una familia que se reúne en un viejo piso en <b>Nueva York</b> en el día de Acción de Gracias. Poco a poco, en el distendido ambiente familiar empiezan a colarse los problemas del día a día, como esas grietas y manchas de humedad que tiene la casa (que podría considerarse otro personaje más), como esos ruidos que hacen las tuberías viejas que amenazan con colapsar... La enfermedad, el miedo a la muerte, el sentimiento de culpa, la religión o la superstición como tabla de salvación... La angustia existencial, en definitiva. Todo eso va aflorando en un escenario que se va tornando cada vez más claustrofóbico, tenso y oscuro. Adaptación de una obra de teatro del propio director, <b>Stephen Karam</b>. Cine independiente, de bajo presupuesto, producido por la <b>A24</b>, con un trabajo interpretativo magnífico. Para la banda sonora nada mejor que música repetitiva: <b>Steve Reich, Philip Glass, Attacca Quartet</b>...<br /></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4112433452555606996.post-8055619946075889632022-05-17T01:27:00.005-07:002022-05-17T01:47:48.811-07:00«EL HOMBRE QUE VIO DEMASIADO» (2015) - TRISHA ZIFF<div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrh_BRQSiuIhZzdoBO4_SCbt1gqCDOo7D4ldMjHKTH2Aj65vGYRelks6CNvqdwznlldpd3f-ZRcGGNMEeF5zgY9E5_JFaHE4hYcQhuJwdd4f9sJcUrAZyrUtx39_jNL24RtnfHs93ltU89SWUs2Twy4YBOujbp7_6pnyEkseDTUYzXZFZKCKtSywPn5A/s406/el_hombre_que_vio_demasiado_the_man_who_saw_too_much-510544879-large.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="406" data-original-width="292" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrh_BRQSiuIhZzdoBO4_SCbt1gqCDOo7D4ldMjHKTH2Aj65vGYRelks6CNvqdwznlldpd3f-ZRcGGNMEeF5zgY9E5_JFaHE4hYcQhuJwdd4f9sJcUrAZyrUtx39_jNL24RtnfHs93ltU89SWUs2Twy4YBOujbp7_6pnyEkseDTUYzXZFZKCKtSywPn5A/s320/el_hombre_que_vio_demasiado_the_man_who_saw_too_much-510544879-large.jpg" width="230" /></a></div>... <i>El hombre que vio demasiado </i>es el mejicano <b>Enrique Metinides</b>, un fotógrafo de nota roja que, ya desde muy pequeño, manifestó una atracción morbosa por fotografiar accidentes. Ese <i>hobby,</i> un tanto extraño para un crío que aprovecha el tiempo libre que le deja la escuela para tomar la cámara Box Brownie regalada por su padre e ir a buscar por el D.F. lugares donde han ocurrido accidentes recientes, se acabará convirtiendo en su profesión y en el centro de su vida. A los trece años ya colabora con la prensa. Poco a poco, a medida que va ganando experiencia, el fotógrafo mejicano, al que apodan «El Niño», va ampliando su radio de acción y comienza a retratar escenas donde han ocurrido crímenes o van a ocurrir, como esa foto de un hombre a punto de suicidarse o la de esa niña, en la carnicería, que introduce accidentalmente su brazo en la máquina trituradora de carne. Esos accidentes y esos crímenes horripilantes a menudo congregan a multitudes que no solo quieren ver lo que ha pasado: también posan para la foto. El morbo y la espectacularización de la vida, junto a la violencia y la muerte, son otros temas que aparecen en el documental.<br />Metinides es un personaje peculiar, vestido siempre de manera impecable con traje y corbata —el horror no está reñido con la elegancia—, incluso cuando tiene que llegar a lugares remotos para hacer su trabajo. Es un tipo al que a fuerza de contemplar de frente la muerte y el mal se le ha ido curtiendo la piel y el corazón se le ha encallecido. Al igual que otros compañeros de profesión, sabe que hay que desligar trabajo y vida personal, y Metinides es también un hombre familiar, que adora a sus hijas, a pesar de que el trabajo le impide casi verlas, y a sus nietos. Es un devorador de periódicos y un coleccionista tan minucioso como compulsivo de fotos de sucesos relacionados con la nota roja, fotos que luego guarda perfectamente clasificadas en carpetas. Pese a todo la brutalidad que han contemplado sus ojos, sigue siendo aquel niño que se aficionó a las fotos macabras: tiene colecciones de camiones de bomberos y de ambulancias, con las que incluso hace montajes para sus obras. Su arriesgada profesión, más peligrosa cuanto más se acerca uno a la verdad de los hechos, ha convertido a Metinides en un hombre supersticioso, como revela la cantidad de ranas de la suerte que guarda en su casa.<br />Por la película desfilan algunos personajes que hacen una reflexión sobre el trabajo de Metinides, la profesión de fotógrafo y la violencia en general. Destaca la presencia de <b>Dan Gilroy,</b> el autor de <b><i>Nightcrawler</i></b>, una película que gira en torno a la vida de los <i>nightcrawlers</i>, esos fotógrafos, como Metinides, que se dedican a retratar la escena del crimen. Al igual que ellos, Metinides y otros colegas de profesión no dudan en establecer su «base» en las dependencias de la Cruz Roja o en llegar al lugar de los hechos subidos en ambulancias que cruzan la ciudad en medio de un ruido de sirena enloquecedor.<br />Metinides no hubiera pasado de ser un fotógrafo más si su obra no hubiera entrado en los museos. Es ahí donde sus fotografías empiezan a ser consideradas arte. ¿Pueden el horror, la violencia, el crimen y la muerte ser considerados arte? Hay una imagen que representa perfectamente este dilema: una mujer sufre un accidente y su cuerpo queda seccionado en dos. Pese a la truculencia de la foto, hay algo hermoso en ella que impide al espectador separar su mirada clavada en el teatro de los hechos. Parece incluso algo impostada, una escenificación; de hecho la mujer seccionada es una mujer bellísima cuyos ojos se han quedado abiertos. Como dice Metinides: te maquillas, sales de casa y luego a veces no vuelves a ella. Así de frágil es la vida. Puede que Metinides solo sea un mirón más, como lo somos todos, basta mirar esos accidentes de carretera donde los conductores que pasan al lado aminoran la velocidad para poder captar algún detalle morboso de la escena; o puede que su objetivo se limite a reflejar una sociedad, la mejicana, tremendamente violenta y donde se cuentan por centenares los fotógrafos y periodistas asesinados; o puede ser incluso que no sea solo la sociedad mejicana la que está enferma sino la sociedad entera. Hay un momento de la película en que se compara la violencia que hay en Méjico y en Estados Unidos, y se hace una reflexión muy interesante: no es que una sociedad sea más violenta que la otra sino que Estados Unidos, un país también muy violento, ha optado por no reflejar en los medios las imágenes de esos crímenes... <br /><br /></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4112433452555606996.post-12985918118718948932022-05-08T12:54:00.005-07:002023-11-28T13:22:52.930-08:00«A GHOST STORY» (2017) - DAVID LOWERY<div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXDEpIzTkE5iequHCUbmaXp8eaUt2m2NdOz3_oSsGQbD4LeYyzrEg5saieF8s7IvISQPz0pjOU8VFhEMIL3l5T0_6sheZJqyRAYphSWDpLHm_vWBK-oPsFZhjyScBDYYeTO-6V7SY76fMmKYWmtixyO5rTSmcT50L8eJWYfuF2GmdFYLfCHGPEyyprCw/s1200/a_ghost_story-788590956-large.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="810" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXDEpIzTkE5iequHCUbmaXp8eaUt2m2NdOz3_oSsGQbD4LeYyzrEg5saieF8s7IvISQPz0pjOU8VFhEMIL3l5T0_6sheZJqyRAYphSWDpLHm_vWBK-oPsFZhjyScBDYYeTO-6V7SY76fMmKYWmtixyO5rTSmcT50L8eJWYfuF2GmdFYLfCHGPEyyprCw/s320/a_ghost_story-788590956-large.jpg" width="216" /></a></div> ... como su propio nombre indica, <i>A Ghost Story</i> es una historia de fantasmas, pero no es ni mucho menos una historia de terror, de esas trufadas de sobresaltos. Es más bien una historia de amor, tristísima y contada desde el punto de vista de un fantasma —aquí radica su originalidad— que se muestra ante el espectador con una sábana encima y con dos agujeros a la altura de los ojos. Un fantasma a menudo inmóvil e inexpresivo que observa todo lo que acontece en el interior de la casa a la que de alguna manera ha quedado vinculado para siempre. A veces se asoma a la ventana y ve que hay otros fantasmas atrapados en otras casas, con los que incluso puede establecer una comunicación. Obviamente, no puede ser visto por los habitantes de esa casa <i>encantada</i> que solo alcanzan a percibir ciertas manifestaciones ocasionales: bombillas que se encienden o apagan, puertas que se abren, el sonido de un piano aporreado... o, en el peor de los casos, cuando el fantasma está enojado, en forma de objetos que salen volando y terminan hechos trizas. </div><div style="text-align: justify;">Para contar esta historia de amor interrumpido, su director, David Lowery, apuesta por un predominio de planos fijos y de silencios (de hecho la película no tiene demasiado diálogos), que ponen de manifiesto de una manera a veces asfixiante los sentimientos de los dos protagonistas de la película.<br /><i>A Ghost Story</i> reflexiona sobre la posibilidad del amor más allá de la muerte; sobre la capacidad de los sentimientos para resistir la erosión del paso del tiempo (en un momendo dado, un personaje algo ebrio hace una interesante reflexión sobre el arte, ejemplificada en la Novena de <b>Beethoven</b>, y su relación con Dios, y especula sobre el sentido último de ese arte); sobre si algo permanece cuando desaparece lo puramente físico y como ese algo sigue aferrándose de una manera desesperada a los sentimientos, a la memoria o incluso a elementos más materiales: un mensaje escrito en un papel y escondido en alguna grieta en el umbral de una puerta, una casa, un piano...<br />La fotografía es impecable, con algunos planos que parecen cuadros. Por ponerle un pero creo que hay secuencias en que sobra la música, aunque en otros momentos de la película está perfectamente colocada y enriquece la historia...</div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4112433452555606996.post-79285570034075813592022-04-14T04:37:00.009-07:002022-04-14T04:39:52.678-07:00«VIVARIUM» (2019) - LORCAN FINNEGAN<div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9LnzlBwqzbzd9yKdr0wtHCl7Eh0lcPQzCj1xck0ytFjJxd8vhsbIVwWLKaIV5UZEs_exI2PCoQaPgVoeJ61iWa8Cim5v6D8Gih0pFUFWbDQOIHh11FuYWAKMwTz8-WdR1CJFGKm6--Z_kCs8WpUDU7YikXFgbGsDgcNtOYwTs2qm3oVKOYKWgGqQcCw/s1200/vivarium-751492423-large.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="830" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9LnzlBwqzbzd9yKdr0wtHCl7Eh0lcPQzCj1xck0ytFjJxd8vhsbIVwWLKaIV5UZEs_exI2PCoQaPgVoeJ61iWa8Cim5v6D8Gih0pFUFWbDQOIHh11FuYWAKMwTz8-WdR1CJFGKm6--Z_kCs8WpUDU7YikXFgbGsDgcNtOYwTs2qm3oVKOYKWgGqQcCw/s320/vivarium-751492423-large.jpg" width="221" /></a></div>... una pareja de novios (Imogen Poots y Jesse Eisenberg), interesada en comprar una vivienda, es conducida por un extraño vendedor a <b>Yonder</b>, una urbanización en las afueras de la ciudad («ni lejos ni cerca sino en el lugar adecuado») donde todos los chalets son exactamente iguales, pintados del mismo color verde. «Yonder: hogares familiares de calidad. Para siempre», reza el cartel de la promotora. El vendedor les muestra la casa número 9, un hogar espacioso de varias plantas, con paredes interiores decoradas con alegres tonos pastel y cuadros con escenas que muestran la propia Yonder o el interior de la casa, y que incluso tiene un jardín en la parte trasera. En definitiva, una casa ideal dentro de un maravilloso entorno de casas ideales y exactamente iguales, ordenadas de manera racional y cuadriculada; un lugar perfecto para montar un proyecto de futuro, donde crear una familia y establecerse <i>para siempre</i>.</div><div style="text-align: justify;">Lo que podría ser un paraíso bajo un cielo azul de nubes algodonosas (como algunos cuadros de Magritte que muestran una belleza perturbadora), no tarda en convertirse en un infierno para la pareja, atrapados en Yonder, un lugar, o más bien un no-lugar, gigantesco, laberíntico, repleto de casas con un número nueve a la entrada; un espacio tan ordenado como carente de vida donde la única compañía que tiene la pareja es la de un extraño bebé que un buen día aparece abandonado, como esos huevos que los cucos dejan en los nidos de otros pájaros. A medida que el tiempo va pasando y el bebé va creciendo, la relación de la pareja se irá deteriorando progresivamente.<br />Película irlandesa de tintes distópicos y a veces surrealistas, incluso de ciencia ficción (hay una subtrama que insinúa una presencia extraterrestre), sin renunciar a ciertas pinceladas humorísticas, donde una sucesión de originales puntos de giro mantiene al espectador atrapado. Una fotografía luminosa, sobreexpuesta a veces, con planos donde predominan las líneas rectas y la simetría, se encarga de conferir a Yonder un aspecto de enorme decorado.<br />Por debajo de su estructura más superficial se adivinan en la película otros temas más complejos que ponen en solfa ciertos valores asentados en la cultura occidental: la casi obligatoriedad de una relación de pareja (y con ella, la formación de una familia), la necesidad de un hogar donde establecerse (preferentemente una vivienda en propiedad y la consiguiente hipoteca), el trabajo como fuente de ingresos imprescindible para la supervivencia y para todo proyecto de futuro... Elementos interrelacionados que contribuyen a afianzar la estructura de la sociedad capitalista y a engrasar los mecanismos de su maquinaria, pero que implican al mismo tiempo una importante merma de libertad del individuo. <i>Yonder</i> es en ese sentido también una parábola: los individuos se obcecan a menudo en la persecución de sus sueños, lo cual puede estar bien (al fin y al cabo, la vida es esa persecución, independientemente de si se consiguen o no los sueños), pero a veces ese proceso conlleva la renuncia a muchas cosas probablemente más importantes...</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAIHnpPeIKvDMkxCJNtpbi-i_TUFBJeJKfaTDOs77md-4SCimb-ZJszF2PUgdWgHUIKuDoz5V7egv7qQ3TjuVZeYbeAlPNjZxvn6Q_D8rFoJ7CprUhkrh1HBAtR07GRjiMmuHynIoveVuszOizxPPFdTzqx_0b5GhGP3VDqFvWNMitmwJwdv_aPF4abw/s1920/VIVARIUM.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="795" data-original-width="1920" height="265" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAIHnpPeIKvDMkxCJNtpbi-i_TUFBJeJKfaTDOs77md-4SCimb-ZJszF2PUgdWgHUIKuDoz5V7egv7qQ3TjuVZeYbeAlPNjZxvn6Q_D8rFoJ7CprUhkrh1HBAtR07GRjiMmuHynIoveVuszOizxPPFdTzqx_0b5GhGP3VDqFvWNMitmwJwdv_aPF4abw/w640-h265/VIVARIUM.jpg" width="640" /></a></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4112433452555606996.post-55297023664724383302022-04-03T06:12:00.006-07:002022-04-03T07:10:00.119-07:00«SUMMER OF SOUL» (2021) - AHMIR-KHALIB THOMPSON<div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxaU95tBIwCerwJaRFR5CznlIpkiNFHNqsG5MthtOOlVBXDbnkaWpMF0FjwVig5lf3S1Eh6n3XRj6DRi9ISH3KiI1KZnpUrKl6PNatCDpC2xEBsxtiVv13MPgihjWbBRwC8UF34Iq2E0nsQ4snIxqJJb_alrNaXXCY6cBRusH6XJjUbyuaoLk6ef13dQ/s1000/Summer_of_Soul-966184835-large.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="666" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxaU95tBIwCerwJaRFR5CznlIpkiNFHNqsG5MthtOOlVBXDbnkaWpMF0FjwVig5lf3S1Eh6n3XRj6DRi9ISH3KiI1KZnpUrKl6PNatCDpC2xEBsxtiVv13MPgihjWbBRwC8UF34Iq2E0nsQ4snIxqJJb_alrNaXXCY6cBRusH6XJjUbyuaoLk6ef13dQ/s320/Summer_of_Soul-966184835-large.jpg" width="213" /></a></div> ... la ceremonia de entrega de los óscares de 2022 pasará a la historia del cine y a la historia en general como la noche en que <b>Will Smith</b> le soltó una hostia a <b>Chris Rock</b> por haberse metido con su mujer, <b>Jada Pinkett Smith</b>. Un negro pega a otro negro y arruina así la gala y probablemente su carrera. Pero esa noche ocurrió otro acontecimiento que también tiene que ver con la comunidad afroamericana: la película <b><i>Summer of Soul</i></b><i>,</i> el llamado Woodstock negro, ganaba el óscar al mejor documental. No creo que estuviera en la mente de Will Smith eclipsar el logro de este documental, todo una reivindicación del pueblo negro y de su empoderamiento, pero así fue.<br />El <b>Harlem Cultural Festival</b> tuvo lugar en 1969 y a lo largo de seis fines de semana consecutivos (desde el 29 de junio hasta el 24 de agosto) logró reunir a cerca de 300.000 personas en el Mount Morris Park, ahora llamado Marcus Garvey Park (en honor a <b>Marcus Garvey</b>, el líder negro, fundador de la UNIA, Asociación Universal para la Mejora del Hombre Negro, y que entre otras cosas abogaba por el regreso al continente africano).<br />Hay que tener en cuenta el contexto en que tiene lugar el evento, después de una serie de magnicidios: <b>John F. Kennedy </b>(en 1963), <b>Malcolm X</b> (1965), <b>Martin Luther King</b> (1968) y <b>Robert Kennedy</b> (1968), y teniendo como telón de fondo la protesta contra la guerra de Vietnam, donde combate un gran número de población negra. Ese es el contexto en que a <b>Tony Lawrence</b>, actor y cantante de <i>nightclubs </i>de Nueva York, se le ocurre la idea de montar un festival gratuito en la ciudad de Nueva York, más concretamente en pleno barrio de Harlem, con una mayoría de población negra o de origen latino, de clase trabajadora y asolado por el crimen y la heroína.<br />La iniciativa cuaja, gracias al apoyo de John V. Lindsay, el alcalde blanco republicano, y de algunos patrocinadores. Para evitar posibles conflictos, los conciertos estarán vigilados por
la policía pero también por integrantes de los <b>Black Panthers</b>. Y así es cómo por aquel parque y a lo largo de seis fines de semana irá pasando la flor y nata de la música negra (<i>blues</i>, góspel, <i>jazz, soul</i>, R&B, <i>rock, funk</i>...): B.B. King, Ray Barretto, Mongo Santamaría, David Ruffin, Chambers Brothers, Stevie Wonder (tocando la batería, el teclado, y con un asistente con un paraguas), Nina Simone (cantando junto al piano y leyendo el poema reivindicativo de un poeta negro), Gladys Knight and the Pips, Chuck Jackson, Sly and the Family Stone (con una banda que integra a músicos blancos y a mujeres tocando instrumentos), Mahalia Jackson, The 5th Dimension, Hugh Masekela, Sonny Sharrock, el baterista Max Roach, el ventrílocuo Willy Tyler con su muñeco Lester...</div><div style="text-align: justify;"></div><div style="text-align: justify;">El monumental documental es el debut como director del talentoso <b>Ahmir Thompson, </b><i>Questlove</i>, baterista en la banda The Roots, además de DJ, productor, periodista, actor... A partir de un material inédito construye una obra de dos horas que muestra lo que ocurrió en aquel verano de 1969 en el Mount Morris Park. No se trata solo de una serie de conciertos que consigue reunir a una pléyade de músicos negros de primera fila sino que también cuenta con la participación de líderes de la comunidad tan destacados como el reverendo <b>Jesse Jackson</b>, lo que contribuye a que finalmente se convierta en un acto de exaltación de la negritud, de reivindicación de los derechos de la comunidad negra, o como el propio Jesse Jackson clama (y con él el público): ¡Soy negro! ¡Soy hermoso! ¡Soy orgulloso! Tal y como revela la cinta, en ese momento histórico se produce un irreversible punto de inflexión: es la hora de dejar de ser llamado despectivamente «negro» y empezar a ser reconocidos como «black». Dicho de otro modo, la asunción por parte de la comunidad negra de todo su poder, el
reconocimiento de su capacidad de cambiar las cosas, llegando, si es
necesario, a usar la fuerza (aquí las opiniones se dividen entre
pacifistas y partidarios de la vía violenta).</div><div style="text-align: justify;">Hay un momento especialmente emotivo hacia la mitad de la película,
cuando el pastor Jackson cuenta los últimos instantes de Luther King
(Jackson estaba con él), poco antes de caer asesinado, y quería escuchar
una canción que no pudo escuchar, y que en el festival se interpreta. <br /></div><div style="text-align: justify;">El documental cuenta con testimonios como el del actor Musa Jackson y otros participantes que estuvieron presentes en aquellos conciertos, incluido el actor Chris Rock (ese que se llevó una hostia durante una gala de los óscares, ¿lo recuerdan?), y que ahora, décadas después, recuerdan, con lágrimas en los ojos, lo que pasó. Alguno incluso parece cuestionarse si aquello realmente llegó a pasar, dada la irrelevancia a la que fue condenado, o tal vez es la memoria que juega una mala pasada e inventa las cosas.</div><div style="text-align: justify;">¿Cómo puede ser que este evento, un «océano de gente negra», gratis para todos los asistentes, pasara desapercibido? Es cierto que coincide temporalmente con el más popular festival de <b>Woodstock</b> (apenas los separan 100 millas), pero incluso el de Harlem empieza antes. ¿Cómo es posible que esas cintas se guardaran durante 50 años en un sótano, que nadie se interesara por ellas y que aquel festival fuera ninguneado y olvidado? <br />«O cuando la revolución no pudo ser televisada», reza el subtítulo del filme. El productor de televisión Hal Tulchin filmó unas 50 horas, en color (algo inusual pues lo habitual en la época era el blanco y negro). Asegura que toda la publicidad se la llevó Woodstock, que al igual que Altamont (el Woodstock de la Costa Oeste de diciembre de ese mismo año) contaba con un plantel de grupos mayoritariamente blancos. Incluso probaron a llamar al de Harlem el Black Woodstock, pero no parece que fuera buena idea pues a nadie le interesaba un espectáculo de negros ni mucho menos lo que pasaba en Harlem. El hecho es que el festival se olvidó y también las cintas, como se olvida buena parte de la historia. O tal vez no fue por racismo ni por desinterés sino porque lo que aconteció aquel verano en el Mount Morris Park era demasiado peligroso, pues hablaba de empoderamiento y de cambiar el mundo, y estas cuestiones, ya se sabe, conviene abortarlas a tiempo... </div>Unknownnoreply@blogger.com0